Une femme peintre est une artiste qui pratique la peinture. Identifiées dès l'Antiquité, les femmes peintres pratiquent la peinture à toutes les époques, mais furent plus ou moins

 

.........MARGINALISEES  selon les périodes.

Elles accèdent à une reconnaissance artistique vers le XVII^e siècle, mais c'est au XIX^e siècle qu'elles sont admises dans les écoles d'art, comme, en France, l'École nationale supérieure des beaux-arts, en 1880.

Il faut attendre les années 1970 pour que la rechercheuniversitaire commence à remettre en perspective la contribution des femmes dans l'art et dans la peinture.

  

  

Antiquité 

Pline cite aussi les noms de Timarète, fille du peintre Micon, à laquelle il attribue une Diane conservée à Éphèse, Irène, fille du peintre Cratinus, Aristarète, fille et élève de Néarque, et Lala de Cysique, active à Rome, célèbre pour ses portraits de femme. Selon Pline, ses œuvres se vendaient beaucoup plus cher que celles de ses collègues masculins^[2]. Il cite également « une certaine Olympias » qui aurait eu des élèves^[2].

  

  

Moyen Âge

On trouve la trace de femmes peintres à partir du Moyen Âge où leur présence dans les ateliers d’enluminure est attestée, telle cette Jeanne de Montbaston, épouse d’un copiste parisien au XIV^e siècle, Richard de Montbaston.

  

  

Renaissance

Pendant la Renaissance, de nombreux peintres enseigneront leur art à leurs filles qui seront des assistantes parfois très précieuses mais ne pourront accéder à un statut d’artiste à cause de la structure du monde des arts - les académies étaient, pour autant qu’on le sache, interdites aux femmes - et peut-être aussi du fait que les commandes émanaient, pour la plupart, de l’Église. Véronèse ou Tintoret ont eu des filles très talentueuses, mais il ne sera jamais possible de savoir ce qui est de leur main dans les peintures attribuées à leurs pères respectifs. C’est l’accession à la reconnaissance, plus encore que l’accession au métier de peintre, qui fut longtemps refusé aux femmes. Il existe cependant des exceptions notables, Levina Teerlinc (1520-1576) fut une miniaturiste appréciée des monarques Tudor.

À la fin de la Renaissance, Sofonisba Anguissola, d’origine sicilienne, devint peintre officiel de la cour d’Espagne.

Catherine Girardon fut la première femme admise à l'Académie royale de peinture et de sculpture en 1663, soit 15 ans après sa création. Élisabeth-Sophie Chéron le sera à son tour en 1672 en tant que portraitiste.

 

 

Artemisia Gentileschi

  

XVII^e et XVIII^e siècles

Quelques noms de femmes peintres restent dans l’histoire, comme ceux d'Artemisia Gentileschi puis d’Élisabeth Vigée-Lebrun, mais ils apparaissent peu dans les manuels d’histoire de l’art. On cantonne généralement les femmes à des genres limités : le foyer, les enfants, l’intimité familiale, et naturellement, les fleurs. Si elles sortent de ces genres qui leur sont assignés, le public s’attache davantage aux scandales réels ou imaginaires de leur vie privée.

Au début du XVII^e siècle, Artemisia Gentileschi, qui fut une grande artiste, vivant de son travail de peintre, fut ainsi violée, à l’âge de dix-neuf ans, par son maître Tassi auquel l’avait confiée son père puisque l'accès à l'enseignement des Beaux-Arts lui était interdit.

  

  

Au siècle suivant, Élisabeth Vigée-Lebrun souffrit, à un degré moindre, d’une réputation imméritée de femme facile à qui l’on prêtait tous les amants possibles alors qu’elle devait fréquemment refuser les commandes de portraits que lui faisaient les galants

dans le seul but de la rencontrer}.

Rosalba Carriera, peintre italienne, lança la mode du pastel lors de son passage à Paris en 1720.

On citera encore Marie-Guillemine Benoist, élève de Vigée-Lebrun, dont le tableau Portrait d’une négresse, réalisé à la fin de la Révolution, fut considéré comme un manifeste de l’émancipation des femmes et des esclaves^{[réf. nécessaire]}. Mais elle dut abandonner sa carrière lorsque son mari obtint un poste de ministre sous la Restauration. À la même époque, Anne Vallayer-Coster connut le succès, mais son art est maintenant oublié.

L’Académie des beaux-arts leur restera longtemps interdite, de même qu’il leur fallait une dispense pour passer un baccalauréat ou entrer dans une université.

XIX^e siècle

La plupart des restrictions imposées aux femmes perdurent au XIX^e siècle.

Il arrive qu'on nie leur talent comme en attestent ces deux anecdotes : Anne Whitney (1821-1915), reçut une commande officielle pour exécuter le portrait de l’abolitionniste Clark Sumner. Lorsque la commission apprit qu'elle était une femme, le contrat fut rompu. Quant à Harriet Hosmer (1830-1908), on l’accusa (comme on l’avait fait pour Camille Claudel), d’exposer les travaux de son professeur sous son nom à elle. De même, Anne Mérimée est vue comme la mère de Prosper et la femme de Léonor et non comme une artiste à part entière.

Mary Cassatt est l’amie de Degas. Comme lui, elle a un dessin précis et assuré, mais ne partage ni les thèmes ni le manque de tendresse de Degas envers ses sujets. Cassatt raconte qu’une fois, pour faire plaisir à l’« impressionniste de salon » (comme l’a appelé Cézanne), elle avait fait le portrait d’une jeune fille à l’air particulièrement stupide. Comme elle l’avait prévu, ce portrait enchanta Degas qui, bien qu’ayant surtout compté des femmes parmi ses amis proches, était paradoxalement très misogyne. L’histoire de l’art ne retient Mary Cassatt que comme une personnalité périphérique au groupe impressionniste, pourtant, elle appartient à la génération qui succède à l’impressionnisme, contemporaine de Toulouse-Lautrec, Gauguin ou Vuillard.

Marie Bracquemond épouse de Félix Bracquemond, graveur, voit son talent reconnu par des critiques important de l'époque (Gustave Geffroy, Philippe Burty et par des peintres comme Edgar Degas, Alfred Sisley, Édouard Manet, mais il est bien difficile d'accéder à son œuvre que l'on ne montre que dans de rares exposition de femme-peintres. La plupart de ses œuvres étant la propriété de collectionneur privés. Les musées de l'époque n'ayant pas eu le flair d'en acheter une partie, à l'exception du Petit Palais de Paris et du Musée du Petit Palais de Genève^[4]

Rosa Bonheur, issue d’un milieu modeste trouve son style dans la peinture animalière mais y excelle. « Elle peint comme un homme » a-t-on pu dire d'elle, ce qui signifiait lui reconnaître son talent, sous-entendant qu'une femme ne puisse pas en avoir. Rosa Bonheur sera la première femme artiste à être nommée Chevalier de la Légion d'honneur (1865) et la première femme nommée Grand-Croix de la Légion d'honneur (1894).

Marie-Louise Petiet fut certainement une des seules femmes peintres reconnue au XIX^e siècle pour son travail personnel, élève d'Hector Leroux et de Jean-Jacques Henner, elle excelle dans l'art du Portrait et les scènes de la vie provinciale de son Aude natale. Elle est pourtant fille, nièce, sœur, femme de peintres, son mari n'était pas moins que ministre des beaux-Arts, et malgré sa courte vie (39 ans), elle a su marquer son époque par de grandes œuvres dont Les Blanchisseuses est sans aucun doute l'aboutissement de son art. Une grande majorité de ses tableaux sont exposée à Limoux dans le musée Petiet qui porte son nom.

Berthe Morisot, enfin, est une figure emblématique de l’art dit « féminin », tranquille et intimiste.

XX^e siècle

Il faut attendre le XX^e siècle, et plus encore la seconde moitié du siècle, pour voir les femmes se dédier à la peinture en abordant tous les sujets sans que cela fasse scandale.

Mais là encore, les femmes peintres, sont parfois dévalorisées. On les voit comme l'épouse de, la mère de, la sœur de, etc., voire la maîtresse de, avant d’être considérées comme artistes. Ainsi, Suzanne Valadon est d’abord la mère d’Utrillo ; on ne s’intéresse qu’en second lieu à ses œuvres. Sonia Delaunay est d’abord l’épouse de Robert Delaunay. De même on parle des frères Duchamp en oubliant leur sœur Suzanne qui a pourtant influencé son mari.

Les femmes ne sont admises à l'École nationale supérieure des beaux-arts de Paris qu'à partir de 1880, et avec de nombreuses restrictions : elles n'ont droit qu'aux modèles vêtus et passent des concours différents des hommes. Ce n'est qu'en 1897 que les Beaux-Arts de Paris acceptent les élèves féminines sans restrictions.

Les premières femmes lauréates du prix de Rome de peinture furent Odette Pauvert en 1925, Jeanne Leroux en 1927, Irma Kalebdjian en 1930, et Alice Richter qui obtint deux prix de Rome : en 1933 et en 1939.

XXI^e siècle

Depuis le dernier quart du XX^e siècle, la différence hommes-femmes tend véritablement à se réduire dans le milieu de la peinture, au moins d'un point de vue numérique. Portée, en France, par les représentantes d'une nouvelle génération d'artistes que sont Lydie Arickx ou Valérie Favre, la femme peintre a acquis sa reconnaissance, même si cela passe parfois par une catégorisation qui peut aussi être une forme de ghetto. En témoignent, par exemple, les dossiers que leur consacrent les revues^[5] d'art.

Bibliographie

• Octave Fidière, Les Femmes artistes à l'Académie royale de peinture et de sculpture, Paris, Charavay frères, 1885
• François Mathey, Six Femmes peintres : Berthe Morisot, Eva Gonzalès, Séraphine de Senlis, Suzanne Valadon, Maria Blanchard, Marie Laurencin, Paris, Éditions du Chêne, 1951
• Charlotte Yeldham, Women artists in nineteenth-century France and England, Garland Publishing, Inc., New York - London, 1984
• Denise Noël, Les Femmes peintres au Salon de Paris, 1863-1889, thèse de doctorat de l’université de Paris VII, Denis Diderot, 1997
• Lea Vergine, L’Autre Moitié de l'avant-garde : 1910-1940 : femmes peintres et femmes sculpteurs dans les mouvements d'avant-garde historiques, Paris, Des Femmes, 1982 (ISBN 9782721002341)
• Nathalie Heinich, Être artiste. Les transformations du statut des peintres et des sculpteurs, Klincksieck, coll. 50 questions, 2005, chap. 43.

Notes

Voir aussi

Articles connexes

• Place des femmes dans l'art
• Condition féminine

Liens externes

• Kairengallery - quelques œuvres de Marie-Louise Petiet
• National Museum of Women in the Arts (NMWA)
• Femmes artistes, une longue et difficile émancipation sur le site du musée Élise Rieuf

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Le Musée Carnavalet est le musée municipal consacré à l'Histoire de Paris des origines de la ville à nos jours. Situé dans le quartier du Marais au 23, rue de Sévigné, à Paris, dans le 3^e arrondissement, il présente des collections exceptionnelles : souvenirs de la Révolution française, peintures, sculptures, mobilier et objets d'art. Il est dirigé depuis 1993 par Jean-Marc Léri. Le musée est constitué de l'hôtel de Carnavalet et l'hôtel Le Peletier de Saint-Fargeau reliés par une galerie située au premier étage.

Collections

Les collections du musée Carnavalet sont riches de plusieurs centaines de milliers de pièces dont seule une partie est exposée. Les notices descriptives et les photographies de ces objets sont mises progressivement à la disposition du public sur le Portail des collections des musées de la Ville de Paris.

 

Archéologie, la tribu gauloise des Parisii et les gallo-romains

Une pièce y est dédiée. Des peintures datant de l'époque gallo romaine, ainsi que des tombeaux, des masques mortuaire et d'autres objets retrouvés.

Paris du XVI^e siècle à Madame de Sévigné

 

Paris sous l'ancien régime

• Des peintures de vues de Paris par Nicolas-Jean-Baptiste Raguenet.
• Des gouaches du citoyen Lesueur qui traita avec humour le Paris de 1789 à 1806.
• Une commode à deux tiroirs de l'ébéniste Jacques Dubois, en laque, aux pieds galbés avec des décors floraux d'inspiration asiatique, réalisée en 1745 (85 × 115 × 57 cm, Inv. CARMB 0450, légué par Bouvier au musée en 1965)
• Chaise à la reine de style rocaille réalisée par Nicolas-Quinibert Foliot vers 1765
• le cabinet de l'hôtel de Villacerf aux boiseries peintes de motifs polychromes et de « grotesques » à la voussure en trompe-l'œil et au plafond représentant Apollon et les saisons ;
• le grand cabinet et une chambre de l'hôtel de la Rivière, avec des plafonds et tapisseries de Charles Le Brun ;
• deux pièces de style Louis XV, avec deux ensembles décoratifs dessinés par l'architecte Claude Nicolas Ledoux, exemples de « néo-classicisme » ;
• le café militaire, exemple du style « le grand goût » ;
• l'escalier de Luynes et sa composition en trompe-l'œil ;
• huit pièces de style Louis XV et Louis XVI (cabinet doré, chambre polychrome, petit salon, salon bleu, salon gris, salon turquoise, salon jonquille… avec des meubles de la collection de Mme Bouvier léguée en 1965 - avec des meubles de Pierre Migeon IV, fournisseur de la marquise de Pompadour, des bronzes de Jacques Dubois, et d'autres meubles de Jean-Henri Riesener et de Adam Weisweiler ;
• la coiffeuse de la reine Marie-Antoinette et le lit de Mme Élisabeth, sœur cadette de Louis XVI

 

Le musée Carnavalet a une collection tellement complète et large sur le Révolution française de 1789 qu'il pourrait quasiment en faire un musée dans le musée.

• La Fête de l’Être suprême (1791), par Pierre-Antoine Demachy (1723-1807).
• Le serment de La Fayette à la fête de la Fédération, le 14 juillet 1790 (vers 1790), École française fin du XVIII^e siècle.
• Le serment du Jeu de Paume, le 20 juin 1789 (entre 1790 et 1794), attribué à Jacques-Louis David (1748-1825).
• Des peintures d'Hubert Robert sur la démolition des monuments de la capitale : destruction des églises, violation des caveaux royaux à l'église abbatiale de Saint-Denis.
• Douze salles consacrées à la Révolution française, avec leurs murs tendus de tissus rayés selon le goût de l'époque et de nombreux objets — boîtes, médaillons, éventails, gravures et maquettes — meubles aux emblèmes révolutionnaires et peintures. Parmi les objets : le jeu de dominos et les soldats de plomb du petit Dauphin, les clefs de la Bastille, des menottes d'époque, des modèles réduits de guillotines, une bague en forme de cercueil contenant des cheveux du roi Louis XVI

 

 

• les salles du Second Empire
• la chambre de Marcel Proust où il écrivit À la recherche du temps perdu
• la chambre aux cretonnes d'Anna de Noailles où elle recevait ses amis
• la chambre de Paul Léautaud
• un salon particulier du Café de Paris de style Art nouveau décoré par l'architecte Henri Sauvage et meublé par Louis Majorelle ;
• la bijouterie Fouquet de la rue Royale dont le décor d'animaux et d'éléments végétaux a été réalisé par l'affichiste Alfons Mucha
• la salle de bal de l'hôtel de Wendel dont les murs sont peints par José Maria Sert avec des compositions, des camaïeux et des draperies rouges. La composition principale représente la Reine de Saba, entourée de sa Cour, quittant son royaume pour se rendre auprès du roi Salomon.
• Les Coulisses de l'Opéra (1889), par Jean Béraud, moins crue et colorée que la version de Degas.
• Des portraits et caricatures de Jean-Pierre Dantan : Franz Liszt au piano), Clément Boulanger, peintre d'Histoire.
• Divers portraits dont celui de Jean Cocteau par Jacques-Émile Blanche.
• Charles-Maurice de Talleyrand-Périgord en habit de Grand chambellan (1807) par Prud'hon, portrait en pied du célèbre ministre.
• Galerie de tableaux du XX^e siècle avec des œuvres de Tsugouharu Foujita, Maurice Utrillo ou Marcel Gromaire.
• Anna de Noailles (1905) par Jean-Louis Forain, une des plus brillantes personnalités de ce que Forain appelait la « Comédie parisienne ».

 

Historique du musée

Origines

• En 1866, le baron Haussmann, préfet de la Seine, est à l'origine du projet d'un musée de l'histoire de Paris et la ville achète l'hôtel de Carnavalet.
• Le 24 mai 1871, les premières collections rassemblées disparaissent dans l'incendie de l'Hôtel de Ville de Paris, où elles étaient entreposées.
• 1880, ouverture du musée au public.
• En 1898, la Bibliothèque historique de la Ville de Paris quitte l'hôtel Carnavalet pour l'hôtel Le Peletier.
• 1921, les objets archéologiques quittent les salles ouvertes au public pour être mises en réserve.
• En 1956, les costumes et leurs accessoires quittent Carnavalet pour former le nouveau musée de la mode et du Costume dans le palais de la duchesse de Galliera.
• 1968 la Bibliothèque historique de la Ville de Paris s'installe dans l'hôtel de Lamoignon, de l'autre côté de la rue des Francs-Bourgeois.
• 1989 après sa restauration et son aménagement, l'hôtel Le Peletier, est relié à l'hôtel Carnavalet par une galerie traversant le Lycée Victor Hugo et est ouvert au public.
• La Crypte archéologique du parvis Notre-Dame est rattachée au musée en 2000^[3].
• Juillet 2002, les catacombes de Paris sont rattachées au Musée Carnavalet.

HISTORIQUE des BATIMENTS

Il a été construit à la renaissance entre 1548 et 1560 par Pierre Lescot pour Jacques de Ligneris, président du Parlement de Paris. Inspiré du château d'Écouen, son plan en forme de quadrilatère « entre cour et jardin » constituait une nouveauté architecturale, et allait être un exemple pour de nombreux autres hôtels. Les statues qui l'ornent sont des chefs d'œuvre dus à Jean Goujon et à son atelier. En 1578, il devient la propriété de Françoise de Kernevenoy, veuve d'un gentilhomme breton François, dit Carnavalet. Dans les années 1650, il passa dans les mains de Claude Boislève, qui confia la tâche de l'agrandir à François Mansart qui transforma l'aile gauche et le bâtiment d'entrée et ajouta l'aile droite décorée de sculptures de Gérard van Opstal.

  

De 1664 à 1695 il fut habité par la Marquise de Sévigné, puis par Brunet de Rancy secrétaire du Roi jusqu'en 1777, puis enfin par la famille Dupré de Saint-Maur. Après la Révolution, il fut occupé par l'École des ponts et chaussées puis par les institutions Liévyns et Verdot, avant son rachat par la ville de Paris en 1866 sur les conseils du baron Haussmann. Il fut agrandi et rénové de 1871 à 1890, dans le but d'y loger les collections historiques de la Ville de Paris. En 1881 une vente aux enchères d'une partie des collections du musée fut décidée par le conseil municipal (voir plus bas). Il lui fut incorporé des éléments architecturaux exceptionnels provenant du vieux Paris en pleine mutation :

• l'arc de la rue de Nazareth dans l'île de la Cité (XV^e siècle);
• la façade du bureau des marchands drapiers des Halles anciennement situe au 11 rue des Déchargeurs^[5](XVII^e siècle);
• un avant-corps de l'hôtel Desmarets (début XVIII^e siècle).

 

L'accroissement des collections imposa un nouvel agrandissement qui s'acheva en 1914.

• L'hôtel Le Peletier de Saint-Fargeau

 

Cet hôtel est d'un style plus sobre et fut édifié par l'architecte Pierre Bullet dans les années 1690. Il comporte un élément architectural exceptionnel avec son grand escalier dont la somptueuse rampe d'appui en fonte de fer, moulée et ciselée—et non en fer forgé --, est une prouesse technique jamais renouvelée avant le XIX^e siècle. Rattaché au musée Carnavalet depuis les années 1960, sa rénovation fut mise en œuvre de 1982 à 1989. Ses vastes cheminées, son carrelage et ses poutres apparentes ont été conservées, pour une mise en scène des intérieurs parisiens tout au long de l'Histoire. Parmi les nombreuses reconstitutions

 

 

 

LE MUSEE CARNAVALET…

ou l’histoire de Paris en héritage
Sous ce nom quelque peu énigmatique, se cache le plus parisien des musées de la capitale. Doyen des musées municipaux, Carnavalet a pour vocation de faire connaître l’histoire de Paris, depuis ses plus lointaines origines (une pirogue préhistorique date de 4600 avant J.-C.) jusqu’à nos jours et sous ses aspects les plus divers. Historique par essence, Carnavalet n’en demeure pas moins un musée d’art, présentant essentiellement des œuvres originales, fidèles au génie propre de Paris.

 

 

Le roman de Paris Dans un cadre architectural remarquable (deux hôtels particuliers du Marais), le roman de Paris se déroule au fil de la centaine de salles et des jardins colorés où prospèrent quelque mille espèces végétales. À travers les décors reconstitués du XVIIe au XXe siècle,  le visiteur peut, à l’envi, suivre l’évolution des intérieurs parisiens, se plonger dans l’histoire des révolutions — de la Révolution française à la Commune de Paris —, mais aussi s’immiscer dans l’intimité de Parisiens illustres : imaginer, par exemple, la marquise de Sévigné, assise à son bureau laqué chinois, écrivant sa fameuse correspondance, ou encore Marcel Proust dans sa chambre, entre son lit de laiton et sa petite table couverte de plumes, encre et cahiers…

  

 La proximité des œuvres d’art, l’attachement qui se crée avec les personnalités des différents milieux intellectuels, politiques et artistiques de la capitale, l’émotion suscitée par les scènes historiques, font toute l’originalité de ce musée d’histoire et lui confèrent une atmosphère unique, celle de la Ville lumière à travers les siècles.
 

  

Un musée, deux hôtels L’idée d’un musée consacré à l’histoire de Paris s’imposa sous le Second Empire, alors qu’une grande partie du cœur historique de la capitale disparaissait sous la pioche des démolisseurs. En 1866, à l’instigation du baron Haussmann, la municipalité se porta acquéreur de l’hôtel Carnavalet pour y abriter la nouvelle institution. L’édifice, bâti en 1548 et remanié au XVIIe siècle par François Mansart, avait été habité, de 1677 à 1696, par Madame de Sévigné. Le musée ouvrit ses portes en 1880.

  

Agrandi à plusieurs reprises, il occupe également, depuis 1989, l’hôtel Le Peletier de Saint-Fargeau, édifice voisin bâti en 1688 par Pierre Bullet. Son orangerie, l’une des deux dernières subsistant dans le Marais, restaurée en 2000, abrite les collections préhistoriques et gallo-romaines.  En savoir plus sur l'histoire du musée Carnavalet
Crédit photographique: Le salon d'angle © DAC - Antoine Dumont

 

L'atelier de restauration du musée existe depuis 1979. Les locaux ont été agrandis et aménagés en 1989. Il emploie deux restauratrices et un monteur à temps complet.

Il a pour fonction de préserver et de mettre en valeur les collections du Cabinet des Arts Graphiques du musée :        

 - 15 000 dessins classés par auteurs        

- 20 000 estampes classées par auteurs        

- 400 000 documents classés par thèmes        

 - 5000 affiches
 

L'atelier  de restauration a mis en place depuis de nombreuses années une  politique de conservation des dessins et des estampes classés par ordre  alphabétique d'auteur.

À ce travail systématique s'ajoutent les  cas d'urgence provenant du fonds thématique : documents en mauvais état  ou nécessitant un montage, et ne pouvant être consultés tels quels par  les chercheurs.  

  

  

A gauche : observation de détails à la loupe binoculaire,

  

  

  

Au centre : prise de pH pour mesurer  l'acidité du papier,

  

A droite :  dépoussiérage d'un dessin à la brosse chinoise,

 

  

  

  

Ci-dessous : confection d’un passe-partout (encadrement) sur mesure pour une gravure.
 

Les œuvres partant en exposition, soit au musée  Carnavalet, soit à l'extérieur, sont restaurées et montées en  passe-partout avant d'être encadrées.

 

  

Certains documents empruntés par le musée lui sont également confiés pour être traités avant leur exposition. Les  œuvres traitées par l’atelier de restauration sont diverses, tant par  leurs dimensions, leurs techniques artistiques, que par leur état de  conservation, et le travail effectué est chaque fois différent.

  

On  peut toutefois, d’une manière générale, recenser un certain nombre  d’opérations qui se succèdent : dépoussiérage-gommage du document en  partie ou en totalité, démontage du support et élimination d’anciens  renforts, nettoyage de taches et /ou du jaunissement provoqué par  l’oxydation du papier, consolidation des déchirures et /ou doublage  total du document, comblement des lacunes, et enfin, mise à plat de  l’œuvre après légère humidification.
 

  

Après traitement, l’œuvre  est fixée selon son format sur des montages en cartons de pH neutre, et  rangée dans un porte-feuilles ou une boîte de conservation. Les  documents ainsi protégés de la lumière et de la poussière sont rangés au  Cabinet des Dessins et Estampes, en atmosphère contrôlée et climatisée.
En savoir plus sur l'atelier des arts graphiques.

 

http://carnavalet.paris.fr/fr/musee-carnavalet

wikipedia  

  

  

 

  

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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  Né en 1925, il a fait l'essentiel de ses études au Kansas City Art Institute, puis au Black Mountain College en Caroline du Nord de 1948 à 1949 avec le peintre Josef Albers.
  
  C'est à partir de 1950, qu'il se fait connaître par ses illustrations de "L'Enfer "de Dante, alors achetées par le Museum of Modern Art de New York. Il réalise sa 1ère exposition en 1951, puis voyage en Europe et en Afrique du Nord, pendant les deux années suivantes.
  
  De retour à New York, il développe sa technique des collages, et y expose en 1953, ses toiles “All White” et “All Black”. De 1953 à 1955, il expérimente des collages et assemblages faits de ficelles et de cordes, de papiers, oiseaux empaillés, et même de pierres et de roches.
  
  La période suivante qui va de 1958 à 1961 est celle des “combine-paintings” où il colle des accessoires, et des objets hétéroclites en recherche de textures et de couleurs sur des fonds tachistes, cela en réaction à l’Expressionnisme Abstrait de l’Action Painting. Il va jusqu'à

• supprimer le fond, ce qui donne lieu aux prémices du Pop’Art.

• 
  

• 
  ll se trouve reconnu à l'échelle internationale avec le Grand Prix de la Biennale de Venise qu'il obtient en 1964 devant le peintre français Roger Bissière tandis que ses oeuvres sont disputées par les galeries et les musées du monde entier.
  
  Après la mort de Jackson Pollock en 1956, il donne un nouveau souffle à la peinture américaine, et développe l'utilisation de différentes autres techniques telles que la sérigraphie, la photographie, la gravure, ajoutés à la peinture et aux objets collés sur différents supports comme le bois, le métal, le papier..
  

• 
  Après 1976, il revient à la création d’objets, de tissus aux textures variées, qu'il assemble sur des panneaux muraux selon des techniques différentes, et en 1985, il crée le "Rauschenberg Overseas Cultural Interchange", qui consiste à faire tourner dans différents pays les oeuvres de ses 20 dernières années.
  
  Peu connu du grand public français, il a incarné avec Jasper Johns l'un des pôles les plus significatifs de la peinture américaine contemporaine, avec sa conception événementielle de la peinture.
• Pour lui " l'art a tout à voir avec la vie, mais il n'a rien à voir avec l'art", et "mon ambition, dit-il, n'est pas de continuer à peindre des oranges pourries, mais de faire du bon journalisme"."
• Je ne fais ni de l'Art pour l'Art, ni de l'Art contre l'Art. Je suis pour l'Art, mais pour l'art qui n'a rien à voir avec l'Art, car l'art a tout à voir avec la vie."
• Robert Rauschenberg.
  
  Robert Rauschenberg est décédé le 12 mai 2008 à Captive Island en Floride.
  
  
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  (LMDA)

 

 

 

 

La passion Claudel

 

 

 

Pietro Antonio Rotari

 

  

  

  Portrait d'une femme avec un foulard bleu et un milieu écharpe rayée du XVIIIe siècle Norton Simon Museum, Pasadena, Californie, USA

 

 

 

 

  

  

Portrait d'une femme dans un manteau rouge avec fourrure milieu du XVIIIe siècle Norton Simon Museum, Pasadena, Californie, USA

 

 

  

Portrait d'une jeune fille dans une veste verte et chemise blanche milieu

du XVIIIe siècle Norton Simon Museum, Pasadena, Californie, USA

 

  

 

  

  

  

Portrait de Catherine Petrovna Holstein-Beck, plus tard

  

duchesse Baryatinskiy milieu du XVIIIe siècle Norton Simon

Museum, Pasadena, Californie, USA

 

  

  

Fille à l'éventail 1756 National Gallery, Vancouver, Canada

 

 

 

  

  

Fille avec une fleur dans ses cheveux 1760-62g Samuel H. Kress Collection

(Samuel H. Kress), États-Unis

 

 

 

  

  

Sleeping Girl 1760-62g Samuel H. Kress Collection (Samuel H. Kress), États-Unis

 

 

 

 

  

  

La jeune fille qui écrit une lettre d'amour 1755 Norton Simon Museum, Pasadena, Californie,

  

  

 

  

  

Portrait d'une jeune fille dans une écharpe noire et un manteau vert avec fourrure blanche milieu du XVIII Norton Simon Museum, Pasadena, Californie, USA

 

 

 

 

  

  

Sleeping Girl ~ 1760 Alte Pinakothek, Munich, Allemagne

 

 

 

 

  

  

Une fille dans un bandeau blanc, comme un turban (Paysan)

  milieu du XVIII siècle Musée-

  

  

 

  

  

  

Une paysanne avec foulard blanc du XVIIIe siècle Musée-Preserve "Gatchina»

 

 

 

 

  

  

  

Une jeune fille avec chapeau de fourrure du XVIII e siècle Musée-Preserve "Gatchina»

 

 

 

 

 

  

  

  Portrait de FB Rastrelli La deuxième moitié de 1750-début 1760  

  

Le Musée d'Etat russe, Saint-

 

  

  

  

  

 

 

 

  

 

 

 

 

  

  

Portrait de FB Rastrelli La deuxième moitié de 1750-début 1760 Le Musée d'Etat russe,

  

  

Saint-Pétersbourg

 

Sur tout le patrimoine du portraitiste Rotari,  FB Rastrelli, est considéré comme l'oeuvre la plus significative et profonde.   

Rotari a été le compatriote et artiste Francesco Bartolomeo Rastrelli (1700-1771) - un architecte célèbre, le principal représentant de l'architecture baroque russe du milieu du XVIIIe siècle sources :

  

  

http://diptyquescrossing.blogspot.com/2011/05/pietro-antonio-

  

  

  

  

      

 

 

 

 

Un détail de l'autoportrait réalisé par Élisabeth Vigée-Lebrun

 

 

Studio of Alexandre Roslin - The Dauphin, Louis de France

 

Portraitiste du XVIIIe siècle, le peintre

avait fait carrière en France. Avant de tomber dans l'oubli.

 

 

Mark Eliot Lovett

 

Mark Eliot Lovett est né et a grandi dans le Maryland, Mark Lovett a commencé à jouer de la guitare et chanter à l'âge de 14 ans puis a continué dans la trentaine.

 

 

 

Sa passion pour les arts visuels n'a pas pris racine jusqu'au début de mi-vie, quand il a découvert son intérêt pour les arts visuels. Après avoir lutté pendant des années avec dépendance à l'alcool, Mark a découvert que sa passion pour l'art a aidé le processus de guérison dans la récupération, et a conduit à une connexion spirituelle à chaque peinture, il crée. 

 

  

Bien que la musique peut encore être entendu sur son site Internet ou dans des spectacles rares, sa bande et Vintage Guitar entreprise est devenue une occupation, tandis que l'art est devenu sa vocation et passion.

 

 

 

Mark, un diplômé de l'Université du Maryland, a étudié la peinture figurative et le portrait de Nelson Shanksâ Incamminati Studio en Pennsylvanie,

 

 

 

 

 

L'Art de la ligue l'école à Alexandria, Et il a participé à plusieurs ateliers d'artistes maître dans tout le pays, à parfaire ses compétences représentant forme humaine et peinture en direct modèles régulièrement.

 

 

 

Mark aime les vieux maîtres, comme Bouguereau, Schengel, Tissot, Harlamoff, DuBlaas, Andriotti, et Enjolras, parmi beaucoup d'autres, et il s'efforce de fusionner leurs techniques avec son propre style et sa vision.

 

 

 

 

Mark s'efforce de créer une harmonie belle couleur avec une palette de bon goût, mais vibrant de couleur, et même fusible en compositions soigneusement conçu, en effectuant des mouvements audacieux, et empâtements, mais la création d'un rendu délicate du visage de l'homme et la forme de capturer l'essence de ses sujets sur toile.

 

 

 

 

 

Mark se déplace dans toute l'Europe et l'Amérique ont fourni l'inspiration pour ses images. 

Il travaille avec des modèles locaux, y compris celui qui a été utilisé dans de nombreux portraits célèbres

 

 

 

Mark a remporté de nombreux prix: 

 

 

 

 

 

2006 Portrait Société de la concurrence Portrait Amérique enfants,

 

2007 femmes