Anne, vicomtesse Townshend, devenue par la suite marquise Townshend -

 Art anglais des XVIIIème et XIXème siècles - Palais californien de la Légion d'Honneur

 

 

 

 

 

Date : approx. entre 1779 et 1780

Matériaux : Peinture à l'huile sur toile
Acquisition : Roscoe and Margaret Oakes Collection (1975)

 

  

  

  

Selina, Lady Skipwith by Sir Joshua Reynolds, 1787 England, the Frick Collection

Giant image 

 

 

 

British portrait painter Joshua Reynolds on Wikipedia.

More of his paintings after the cut.

Edit: Updated this post with new paintings and better quality pictures.

 

Lady Frances Finch, 1781-82.

Frances, Countess of Lincoln, ca 1781-82.

Miss Cocks and Her Niece, 1789.

Lady Elizabeth Foster, 1787.

Mrs. Braddyl.

The Honourable Miss Bingham, 1786.

Miss Keppel, afterwards Mrs Thomas Meyrick, 1782.

 

Mrs. Charles James Fox, 1784-89.

Mrs. Stanhope.

Lady Elizabeth Seymour-Conway, 1781.

The Honorable Mrs. Lewis Thomas Watson (Mary Elizabeth Milles), 1789.

Lady Sunderlin, 1786.

Lavinia Spencer (Lavinia Bingham), 1781-82.

Miss Gideon, 1786.

George Grenville, Earl temple; Mary, Countess temple; and their son Richard.

 

Lady Skipwith, 1787.

 

Lady Smith and children, 1787.

Lady Taylor, ca 1780.

Lady Worsley, 1776.

Mrs Abington as Miss Prue in Love for Love by William Congreve, 1771.

Maria Anne Fitzherbert, 1786-88.

The ladies Waldegrave, 1780.

Georgiana, Duchess of Devonshire with her daughter, 1784-86.

Georgiana, Duchess of Devonshire, 1780.

Georgiana, Duchess of Devonshire, 1775-76.

Mary Robinson.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Alicia Maria Carpenter, comtesse d'Egremont - Art anglais des XVIIIème et XIXème siècles - Palais californien de la Légion d'Honneur

DEVIS Arthur William

Ecole anglaise
1763-1822


BIOGRAPHIE :

 

 

 
Matériaux : Peinture à l'huile sur toile
Acquisition : Mildred Anna Williams Collection (1940)

 

 

 

Le comte de Tyrconnel - Art anglais des XVIIIème et XIXème siècles - Palais californien de la Légion d'Honneur 

 

  

 

Sir George and Lady Strickland in the Park of Boynton Hall, 1751 (Ferens Art Gallery, Kingston upon Hull Corporation)

 

 

Arthur Devis (19 February 1712 – 25 July 1787^[1]) was an English portrait painter, particularly known for the type of portrait now called a conversation piece.

Arthur Devis was born in Preston, Lancashire, the eldest son of Anthony Devis. His father, who was a member of the Town Council as well as a carpenter and a bookseller, may have been responsible for introducing Devis to the Flemish painter Peter Tillemans who became his teacher.^[2] During the early 1730s, Devis is known to have been an assistant in Tillemans's studio, apparently copying views of Italy by artists such as Pannini and Marco Ricci.^[3] Not surprisingly, his first work painted on commission, a depiction of a house within its park, also shows an interest in landscape (Hoghton Towers from Duxon Hill, Lancashire, 1735; Private collection). By 1737, however, Devis had become a portrait painter.^[4] In 1745, he established a studio in Great Queen Street, London, having acquired a considerable artistic reputation by that time.

Devis received his greatest number of commissions for portraits between 1748 and 1758.^[5] Many of the pictures show the sitters in landscapes. Although described with what seems like precise topographical detail, these views, like all but one of the interiors, were mostly invented by Devis.^[6] The exception is the neo-Gothic library at Arbury Hall shown in Devis's portrait of Sir Roger Newdigate, who holds the plan for the room on his knee.^[7]

During the 1760s, Devis's success as a portrait painter diminished sharply. Although he exhibited works at the new Free Society of Artists between 1761 and 1775 and in 1780, becoming its president in 1768, his style seemed old-fashioned compared to portraits by important contemporary artists such as Joshua Reynolds and Johann Zoffany. Art reviewers and observers like Horace Walpole were very critical of Devis's pictures.^[8] During the 1770s and 1780s, he seems to have made his living by restoring pictures. His most prominent job, done between 1777 and 1778, was restoring Sir James Thornhill's paintings in the Painted Hall in the old Royal Hospital for Seamen, Greenwich (now the Old Royal Naval College).^[9] Devis retired to Brighton in 1783 and died there in 1787. He is buried in the churchyard of St. Mary Paddington, London.^[10]

Devis married Elizabeth Faulkner (1719–1788) at St Katharine's by the Tower, London, on 20 July 1742.^[11] They had twenty-two children, only six of whom survived past infancy. Two, Thomas Anthony Devis (1757–1810) and Arthur William Devis (1762–1822), became painters. Devis's half-brother Anthony Devis (1729–1816) also was a painter

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Il s’appelle Bolivar Gaudin et est uruguayen. Ami de Che Guevarra, l’artiste a choisi la France comme terre d’accueil depuis 40 ans. Son travail s’inscrit dans la lignée du mouvement Madi, à l’origine d’une nouvelle forme d’abstraction. Peintre et sculpteur, il revendique cette paternité, pour suivre cette recherche personnelle qu’il veut avant tout inscrire dans son temps. « L’art de notre temps est non figuratif car c’est tout simplement l’évolution naturelle, logique de l’histoire de l’art, où il s’agit d’inventer »[...]

 

 

Bolivar Gaudin, qui est souvent désigné seulement comme «Bolivar», est né en 1937 à Salto, Uruguay. Sa mère venait de la tribu nomade des Indiens », Charrúa", tandis que son père était un descendant du sud-français des immigrants. Bolivar assume fièrement son double héritage aujourd'hui. Son nom inhabituel premier n'est pas un alias artistique: ses parents l'honneur du grand héros latino-américains avec elle.

  

Gaudin est un enfant d'une famille pauvre qui étaient accablés par des circonstances difficiles. Durant sa jeunesse troublée, il erra beaucoup et appris à connaître de nombreuses professions. Il a fini à Montevideo en 1955 où il a travaillé dans un théâtre comme un peintre décorateur. Comme il a rappelé, au cours des années à la Solis Teatro, il a acquis une expérience unique et extraordinaire. D'ailleurs, il a rejoint le groupe de jeunes artistes, "La Cantera».

  

 

 

Il a commencé son engagement avec la peinture au début des années 1950. L'artiste autodidacte s'est d'abord consacré à l'art figuratif, essentiellement des paysages de peinture. Il fait la connaissance de constructivisme dans les années 1950 lors d'une exposition Joaquin Torres Garcia à Montevideo. Cependant, il ne s'est tourné vers l'abstraction géométrique beaucoup plus tard. Il s'installa dans sa ville de rêve, Paris en 1963 où il vit et travaille aujourd'hui. Après son arrivée en France, il a travaillé avec des bijoux d'artisanat dans les premières années. Cependant, depuis plusieurs décennies maintenant, il se consacre exclusivement à son art. En 1967, il ouvre un studio près de la Place Nation, où il a créé des peintures et sculptures et commence à se faire un nom pour lui-même.

 

 

 

 

Qui êtes-vous Bolivar ?

« Je suis né en 1937 à Salto, Uruguay. Je vis en France depuis 1947. Je suis autodidacte mais j'ai suivi l'enseignement de Torres Garcia et de Michel Seuphor, fondateur de Cercle et carré. Mon père était français. Mon vrai nom est Gaudin. Bolivar est mon prénom, mais je l'ai toujours utilisé comme artiste pour me situer à Paris surtout. En 1980, j'ai rencontré Carmelo Arden Quin, le fondateur du mouvement MADI en 1946 et j'y ai adhéré. » Que signifie MADI et quelle est l'originalité de ce mouvement artistique ?

« MADI signifie Matérialisme Dialectique. Ce mouvement international, héritier de l'abstraction européenne, a fait un pas en avant en rejetant la forme rectangulaire du tableau. Nous composons en tenant compte de l'espace extérieur et des possibilités géométriques y compris le nombre d'or. Nous avons une grande liberté dans le choix des matériaux nouveaux et des techniques. » Quels matériaux utilisez-vous ? « J'utilise le bois, le plastique parfois et le fer comme la corde de piano. Mes couleurs sont proches de celles de l'Amérique du sud et de la nature. Elles suivent en cela la logique du prisme réel ce qui leur donne force et matérialité. » Le décès récent d'Arden Quin marque-t-il la fin de MADI ?

« J'étais très proche de lui du fait de notre pays commun: l'Uruguay et de la pratique de notre art. Les artistes du groupe viennent de tous les horizons.

MADI continue. Aujourd'hui même, il y a des expositions à Buenos Aires, à Naples et à Montevidéo. »

En 1977, Bolivar a rencontré un de ses compatriotes, Carmelo Arden Quin, l'un des fondateurs du mouvement MADI à Paris. Arden Quin a joué un rôle décisif dans la formation de l'art Gaudin et devint son maître et idole. Jusqu'à la mort récente d'Arden Quin en Septembre 2010, Bolivar a été le plus proche collège de son mentor. En raison de l'influence d'Arden Quin, Bolivar a rejoint le MADI en 1983, et il a participé à des activités organisationnelles du mouvement depuis lors. Comme le secrétaire en chef du mouvement MADI, il faisait partie de l'organisation de nombreuses expositions et rencontres.

 

Dans son travail, il combine souvent les plus simples formes géométriques (cercle, carré, triangle). Comme son usage de la forme, son choix de couleurs est plutôt modérée et claire: l'exquise harmonie de bleus, de jaunes d'or et les tons de rouge est caractéristique de ses œuvres. Bolivar crée son art tout à fait selon l'esprit de l'MADI: ses compositions sont ludiques, inventifs et précisément conçus dans le même temps, formant des formes irrégulières qui rompent avec les schémas traditionnels de l'art. Pour ses créations qui sont situés à l'intersection entre la sculpture, le relief et la peinture, il utilise une variété de matériaux (bois, fils, matériaux trouvés dans la rue, etc.)

 

 

Gaudín y Marino Santamaría

 

Ses œuvres, qui sont intégrés dans le patrimoine du constructivisme sont des manifestations d'une balance sensible des formes, la simplicité et la créativité. Du idées médiée par le MADI, il apprécie l'invention la plus: il en permanence des expériences avec de nouvelles approches dans son art. Sa personnalité et son attitude artistique a été formé par sa vie troublée et aventureux. L'artiste, qui avait des engagements de gauche, était un ami de Che Guevara, entre autres. Dans ses œuvres, il ne cherche pas à envoyer un message ou de médiateur en cas idéal. Son art se réfère à rien d'autre, seulement pour lui-même, que son héritage constructiviste (notamment Joacquin Torres Garcia, le Russe Tatlin, Rodchenko et Lisicky, le Hongrois Laszlo Péri et László Moholy-Nagy, et le Belge Vantongerloo) dicte.

 

Travaille Bolivar faisaient partie d'un certain nombre d'expositions collectives et individuelles sur le monde dans les musées et galeries ainsi (entre autres dans le Centro Reina Sofia, Madrid, Museo Torres Garcia, de Montevideo; Museo Latinoamericano de La Plata, Argentine). Public hongrois pourrait avoir vu ses œuvres dans plusieurs expositions MADI.

 

  

  

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

William Adolphe Bougereau

La tricoteuse

 

 

 

William Adolphe Bougereau

 

Le gouter

 

 

Autoportrait (1886)

William Bouguereau (30 novembre 1825 – 19 août 1905), né et mort à La Rochelle, est un peintre français de style académique.Son acte de naissance indique Adolphe Williams Bouguereau, mais la dénomination d'usage est William Bouguereau.

 

Il est le fils d'un négociant en vins de Bordeaux et sa famille de conviction catholique, a des origines anglaises.

 

Il apprend le dessin à l'école municipale de dessins et de peintures de Bordeaux. En 1846, il entre aux Beaux-arts de Paris dans l'atelier de François-Édouard Picot sur la recommandation de J. P. Allaux. Il remporte le second prix de Rome ex aequo avec Gustave Boulanger pour sa peinture Saint Pierre après sa délivrance de prison vient retrouver les fidèles chez Marie (1848).

 

Il remporte le Premier Prix de Rome en 1850 avec Zénobie retrouvée par les bergers sur les bords de l'Araxe.

 

 

En 1866, le marchand de tableaux Paul Durand-Ruel s'occupe de sa carrière et permet à l'artiste de vendre plusieurs toiles à des clients privés ; il a ainsi énormément de succès auprès des acheteurs américains, au point qu'en 1878 lors de la première rétrospective de sa peinture pour l'exposition internationale de Paris, l'État ne peut rassembler que douze œuvres, le reste de sa production étant expatriée aux États-Unis². Il passe aussi un contrat avec la maison d'édition Goupil pour la commercialisation de reproductions en gravure de ses œuvres.

 

Professeur en 1888 à l'École des Beaux-Arts et à l’Académie Julian de Paris, ses peintures de genre, réalistes ou sur des thèmes mythologiques sont exposées annuellement au Salon de Paris pendant toute la durée de sa carrière.

  

  

Il travaille aussi à de grands travaux de décoration, notamment pour l'hôtel de Jean-François Bartholoni, et fait aussi le plafond du Grand-Théâtre de Bordeaux.

 

En 1876, il devient membre de l'Académie des Beaux-Arts, mais l'année suivante est marquée par des deuils successifs, d'abord ses deux enfants et ensuite son épouse décèdent.

 

 

 

En 1885, il est élu président de la Fondation Taylor, fonction qu'il occupera jusqu'à la fin de sa vie. Il obtient la médaille d'honneur au Salon.

 

 

 

À un âge assez avancé, Bouguereau épouse, en deuxièmes noces, une de ses élèves, le peintre Elizabeth Jane Gardner Bouguereau. Le peintre use également de son influence pour permettre l'accès des femmes à beaucoup d'institutions artistiques en France.

 

Il meurt en 1905 à La Rochelle.

 

François-Alfred Delobbe, Émile Vernon furent ses élèves.

 

sources : WIKIPEDIA - photos google - Wikipedia

 

 

 

William Adolphe Bougereau

 

Les pommes

 

 

William Adolphe Bougereau

 

Une vocation

 

 

William Adolphe Bougereau

 

Parure des champs

 

 

 

 

William Adolphe Bougereau

 

Le repos

 

 

William Adolphe Bougereau

 

Les prunes

 

 

William Adolphe Bougereau

 

En Penitence

 

 

William Adolphe Bougereau

 

Essai de l'eau

 

 

 

 

William Adolphe Bougereau

 

A la fontaine

 

 

 

 

William Adolphe Bougereau

 

Au bord du ruisseau

 

 

 

 

William Adolphe Bougereau

 

Bohemienne

 

 

 

 

William Adolphe Bougereau

 

Tricoteuse

 

 

 

 

William Adolphe Bougereau

 

L'espiègle fillette

 

 

William Adolphe Bougereau

L'Orage

 

William Adolphe Bougereau

 

Tricoteuse

 

 

  

  

  

 

Mark Eliot Lovett

  

Mark Eliot Lovett

 

Mark Eliot Lovett est né et a grandi dans le Maryland, Mark Lovett a commencé à jouer de la guitare et chanter à l'âge de 14 ans puis a continué dans la trentaine.

 

 

 

Sa passion pour les arts visuels n'a pas pris racine jusqu'au début de mi-vie, quand il a découvert son intérêt pour les arts visuels. Après avoir lutté pendant des années avec dépendance à l'alcool, Mark a découvert que sa passion pour l'art a aidé le processus de guérison dans la récupération, et a conduit à une connexion spirituelle à chaque peinture, il crée.

 

 

 

Bien que la musique peut encore être entendu sur son site Internet ou dans des spectacles rares, sa bande et Vintage Guitar entreprise est devenue une occupation, tandis que l'art est devenu sa vocation et passion.

 

 

Mark, un diplômé de l'Université du Maryland, a étudié la peinture figurative et le portrait de Nelson Shanksâ Incamminati Studio en Pennsylvanie,

 

 

 

 

 

 

L'Art de la ligue l'école à Alexandria, Et il a participé à plusieurs ateliers d'artistes maître dans tout le pays, à parfaire ses compétences représentant forme humaine et peinture en direct modèles régulièrement.

 

 

 

Mark aime les vieux maîtres, comme Bouguereau, Schengel, Tissot, Harlamoff, DuBlaas, Andriotti, et Enjolras, parmi beaucoup d'autres, et il s'efforce de fusionner leurs techniques avec son propre style et sa vision.

 

 

 

 

Mark s'efforce de créer une harmonie belle couleur avec une palette de bon goût, mais vibrant de couleur, et même fusible en compositions soigneusement conçu, en effectuant des mouvements audacieux, et empâtements, mais la création d'un rendu délicate du visage de l'homme et la forme de capturer l'essence de ses sujets sur toile.

 

 

 

 

 

Mark se déplace dans toute l'Europe et l'Amérique ont fourni l'inspiration pour ses images. 

Il travaille avec des modèles locaux, y compris celui qui a été utilisé dans de nombreux portraits célèbres

 

 

 

Mark a remporté de nombreux prix:

 

 

 

 

2006 Portrait Société de la concurrence Portrait Amérique enfants,

 

2007 femmes

 

 

 

 

 

Tamara de LEMPICKA

Années folles et art déco

Tamara de Lempicka est née le 16 mai 1898, à à Moscou et non à Varsovie, en Pologne.
Issue d'un milieu aisé, elle s'instale en 1914 à Saint-Pétersbourg pour se former à la peinture.

 

C'est là-bas qu'elle rencontrera Tadeusz Lempicki, un avocat russe qu'elle épouse en 1916. La Révolution d'octobre fera fuir le couple qui s'installera à Paris, mais Tadeusz supporte mal d'avoir perdu sa vie privilégiée et refuse de travailler. Le couple bat de l'aile.

  

Tamara de Lempicka décide d'entamer une carrière de peintre.
 

  

En 1920, à l'Académie de la Grande Chaumière, elle reçoit l'enseignement de Maurice Denis et d'André Lhote.

 

 

 

Autant passionnée par le cubisme que par la peinture d'Ingres ou encore celle de Pontormo dont elle part copier

 

 

les œuvres en Italie, Lempicka a son style à elle, tout à la fois décoratif, élégant et sculptural, dès 1922, date à laquelle elle présente un portrait au salon d'Automne.

 

 

 

Le succès ne tarde pas et le peintre immortalise la bohème parisienne de son temps : André Gide, Suzy Solidor, de riches industriels, des princes russes émigrés, etc.

  

 

  

Lempicka fréquente Paul Poiret ou encore Georges Braque.
Les peintures de Tamara de Lempicka frisent régulièrement le scandale :

ses personnages féminins sont souvent garçonnes, ses ambiances parfois équivoques.

 

  

Elle divorce en 1928 pour se remarier, en 1933, avec le Baron Raoul Kuffner (décédé en 1960).

 

Ce nouveau changement de statut social lui fera perdre de vue le monde artistique de l'époque autant à titre personnel que dans son œuvre.

 

  

  

Fuyant la guerre, Lempicka s'installe aux Etats-Unis.

 

Après-guerre, son œuvre tombe dans un profond oubli jusqu'à ce que la mode Art déco, revenue en vogue dans les années 1970, fasse ressurgir son nom.

 

  

Tamara de Lempicka n'est sans doute pas une artiste majeure du XXe siècle : sa production pléthorique et par trop homogène manque de chefs d'œuvre, elle aura avant tout marqué l'histoire de la peinture par un style reconnaissable entre tous, charmant, un peu lisse et totalement en phase avec ces années folles de l'entre-deux-guerres qui se sont plues, par elle, à se regarder vivre.
Tamara de Lempicka décède le 18 mars 1980 à Cuernavaca, au Mexique.

  

 

    Site de Tamarahttp://www.delempicka.org/ 

  

  

Oeuvres de LEMPICKA

CLIQUER SUR l'IMAGE pour agrandir LE TABLEAU

  

 

 

 

 

 

 

Portrait of Marquis Sommi, 1925, Tamara de Lempicka

 

 

 

 

 

 

 

  

 

Dans l'intimité des frères Caillebotte

 

 

 

 

 

La naissance de l'Impressionnisme

  

Caillebotte naît en 1848 d'un père qui a su tirer profit des aménagements de Paris du Baron Haussmann. Après une licence de droit, Caillebotte se destinera à la peinture et entrera à l'Ecole des Beaux-arts en 1873.

Héritier de la fortune de son père, et donc libéré de toute contingence matérielle, il deviendra le mécène de ses amis : les peintres qui vont devenir les Impressionnistes.

Collectionneur avisé et mécène.

 Le collectionneur et mécène

 Dès le moment où caillebotte se lie aux impressionnistes, il ne cesse de les aider et ce toujours discrètement. Il achète des toiles aux artistes, finance les expositions impressionnistes.

  

  

Mais au-delà du mécène et du collectionneur, une amitié durable le lie à la plupart des peintres impressionnistes, comme en témoigne sa correspondance. Il aide financièrement ses amis qui sont dans le besoin, sans nécessairement acheter des toiles, il loue un appartement à Claude Monet près de la gare Saint-Lazare, lui fournissant l'argent nécessaire à l'achat de matériel pour la peinture.

  

  

  

Il ne cesse d'aider Camille Pissarro. Auguste Renoir et le collectionneur sont très proches puisque dès 1876, Caillebotte en fait son exécuteur testamentaire et en 1885, il est le parrain du premier fils de Renoir et d’Alice Charigot, sa future épouse.

  

Au Petit-Gennevilliers où Caillebotte s'installe définitivement en 1888, il reçoit la visite de ces amis comme Monet, Gustave Geffroy, Octave Mirbeau ou encore Renoir qui est un familier du lieu.

 

  

A la dissolution du groupe des impressionnistes en 1887, Caillebotte permet de maintenir les liens entre les différents artistes en maintenant la tradition des dîners, qui réunissaient peintres et littérateurs, d'abord au café Guerbois, puis à la Nouvelle Athènes.

  

C'est au Café Riche qu'avaient désormais lieu tous les mois ces réunions, et selon les souvenirs de Pierre Renoir, c'était Caillebotte qui payait pour tout le monde.

 La composition exacte de la collection est difficile à préciser, en effet la désignation exacte n'en a pas été faite par le donateur. Gustave Caillebotte commence sa collection dès le début de l'Impressionnisme.

 

  

Il achète sa première toile en 1876, une œuvre réalisée par Claude Monet en 1875 intitulée Un coin d'appartement.

  

Il choisit avec goût et discernement parmi les peintres impressionnistes, ceux qui devaient par la suite, être reconnus comme les maîtres de la peinture de la fin du XIXe siècle.

  

  

  

L'examen des peintures acquises par Caillebotte montre que presque toutes appartiennent à la période impressionniste de chaque peintre et représente ainsi les différents aspects que pris l’impressionnisme de 1874 à 1886.

  

  

Une exception est à souligner avec les œuvres de Jean-François Millet et de Paul Gavarni qui sont des dessins, les seuls de la collection, et dans les peintures de Edouard Manet et Paul Cézanne. Ces artistes sont d’ailleurs moins largement représentés dans la collection.

 

Ce sont les œuvres de la belle époque impressionniste de Renoir qui le représentent. Renoir, à l’époque de La Balançoire (1876, musée d'Orsay) et du Moulin de la Galette (1876, musée d'Orsay), pratique plusieurs techniques.

  

  

Certaines de ces œuvres sont d’une facture lisse, tandis que d’autres, aux touches séparées, aux empâtements granuleux relèvent de la technique impressionniste.

  

  

Or c’est bien cette technique que l’on retrouve dans les œuvres choisies par Caillebotte comme La Liseuse (1874-1876, musée d'Orsay.

  

De même avec l’œuvre de Degas, le choix des Femmes à la terrasse d'un café, le soir (1877, musée d'Orsay) montre bien que le collectionneur recherche dans les œuvres de ses camarades impressionnistes celles qui sont le plus caractéristiques par la nouveauté de leurs conceptions artistiques.

  

  

Avec ce pastel, Caillebotte choisit une des premières scènes de Degas représentant ces types de cafés et de café-concerts, qui font partie des thèmes favoris du Naturalisme et de l’Impressionnisme.

  

  

Comme l'a remarqué P. Lemoisne : « vers 1878, il garde dans ses peintures son faire lisse et harmonieux de la belle époque alors qu’il a déjà adopté pour ses pastels une facture plus heurtée » et des oppositions de couleurs plus hardies.

  

  

  

La préférence du collectionneur pour les œuvres impressionnistes est encore mise en évidence par le fait que les nombreuses œuvres de Pissarro se situent entre les années 1871 et 1879.

  

  

Sa manière néo-impressionniste n’est pas représentée dans la collection. Les mêmes constatations pourraient être faites à propos du choix des œuvres de Monet et d'Alfred Sisley.

  

Il cesse d'acquérir des œuvres en 1886, date de la dernière exposition impressionniste.

 

 

  

Le « scandale » du legs de Gustave Caillebotte

  

 C’est le legs de Caillebotte qui ouvrit aux impressionnistes les portes des musées nationaux.

  

Cette collection a été créée à l’époque même qui vit naître les peintres qui la composent.

  

Au moment où il prenait place dans les rangs des impressionnistes, Gustave Caillebotte avait déjà commencé sa collection.

  

Son premier testament par lequel il léguait à l’État les tableaux qu’il possédait, fut rédigé le 3 novembre 1876 ;

  

  

la liste des tableaux n’était pas encore dressée, mais il est évident en raison de la date même du testament, qu'il ne pouvait y avoir alors qu’une partie des œuvres qui constituèrent, quelques années plus tard la collection.

  

Un codicille du testament concernant une exposition à organiser en 1878, nous apprend déjà quels sont les peintres qui bénéficieront de sa sollicitude.

Ce sont Degas, Monet, Pissarro, Renoir, Cézanne, Sisley et Berthe Morisot.

  

C'est le brusque décès de son frère René, à l'âge de vingt-six ans, à l'automne 1876, qui le conduit, déjà persuadé, à rédiger son premier testament en 1876:

  

  

« Je donne à l’État les tableaux que je possède; seulement comme je veux que ce don soit accepté et le soit de telle façon que ces tableaux n'aillent ni dans un grenier ni dans un musée de province mais bien au Luxembourg et plus tard au Louvre, il est nécessaire qu'il s'écoule un certain temps avant l'exécution de cette clause jusqu'à ce que le public, je ne dis pas comprenne, mais admette cette peinture.

 

 

  

Ce temps peut être de vingt ans ou plus; en attendant, mon frère Martial et à son défaut un autre de mes héritiers les conservera.

  

Je prie Renoir d'être mon exécuteur testamentaire et de bien vouloir accepter un tableau qu'il choisira; mes héritiers; mes héritiers insisteront pour qu'il en prenne un important ».

  

 Le 11 mars 1894, Renoir informait par une lettre la direction des Beaux Arts, Henri Roujon, que Gustave Caillebotte décédé le 21 février 1894, avait légué à l'État sa collection comprenant soixante œuvres environ, de Degas, Cézanne, Manet, Monet, Renoir, Pissarro et Sisley.

  

Plus de dix sept ans s’étaient écoulés depuis le jour où Caillebotte décidait de léguer ses œuvres à l'État.

  

  

De vives protestations accompagnèrent le legs.

  

Une protestation qui provient des artistes officiels mais également des politiques.

  

L'Académie des beaux-arts protesta officiellement contre l'entrée de ces tableaux au musée du Luxembourg, en qualifiant l'événement

  

d'« offense à la dignité de notre école ».

 

 

  

  

Le peintre Jean-Léon Gérôme écrit dans le Journal des Artistes : « Nous sommes dans un siècle de déchéance et d’imbécillité.

  

C’est la société entière dont le niveau s’abaisse à vue d’œil… Pour que l’État ait accepté de pareilles ordures, il faut une bien grande flétrissure morale. »

  

  

 Le 19 mars 1894, l'ensemble du Comité étudie les œuvres offertes, elles sont présentées dans un atelier situé au 11 boulevard de Clichy, loué à cet effet par Renoir, en présence de celui-ci et de Martial Caillebotte.

  

 

  

  

  

Dans le procès-verbal de la séance du Comité consultatif du 20 mars, il est noté que les deux hommes auraient été informés que l'entrée d'une œuvre au Louvre ne pouvait être examinée qu'au minimum dix ans après la mort de son auteur, et que le manque de place au Luxembourg, et la limitation à trois œuvres de chaque artiste représenté, rendaient impossible l'exposition de tous les tableaux composants le legs.

  

 

  

  

Dès le lendemain, le Comité consultatif des musées nationaux vote pourtant l'acceptation du legs dans son intégralité « pour les musées nationaux avec placement au musée du Luxembourg ».

  

Le Comité accepte en plus une toile de Gustave Caillebotte, Les Raboteurs de parquet, donnée par ses héritiers. Bénédite précise que la place manque au Luxembourg pour exposer même le tiers de la collection mais « estime qu'il serait possible de construire sur la terrasse du musée un baraquement provisoire où serait réuni le legs Caillebotte ».

  

Le 17 janvier 1895, le Directeur des Beaux-Arts organise une réunion dans son cabinet avec les représentants de l'Administration et les notaires. Sont présents Martial Caillebotte et Auguste Renoir.

 

 

  

De cette consultation, il est conclu qu'une exécution rigoureuse du testament est difficilement réalisable et qu'il faut maintenant trouver une solution acceptable à tous les partis. Il est décidé que l'Administration choisira les tableaux qu'elle veut exposer. Martial Caillebotte deviendra possesseur des autres œuvres.

 

  

  

Les raisons données par l’administration sont les suivantes : tout d'abord l’étroitesse des locaux du musée du Luxembourg, qui ne permet plus de laisser entrer aucun ouvrage sans en retirer un autre ; et les règlements qui, par un sentiment d'équité, limitent le nombre des ouvrages pour un même artiste.

  

La proposition est finalement arrêtée en janvier 1895.

  

L'approbation du Conseil d'État met un certain temps. Mais un décret ministériel finira, le 25 février 1896, par autoriser le choix des œuvres qui a été décidé. On construit alors une annexe au musée du Luxembourg pour y accrocher ces œuvres.

  

Puis le 23 novembre 1896, les œuvres de la collection sont officiellement remises à l'État. La collection réduite est présentée au public au début de l'année 1897 dans une des trois nouvelles salles de l'annexe du Luxembourg consacrée aux impressionnistes et au legs Caillebotte.

 

 

  

Les salles furent construites sur la terrasse du musée. Ainsi, plus de vingt ans après la rédaction du testament les œuvres entrèrent dans les musées nationaux. Le transfert du legs Caillebotte au musée du Louvre eut lieu en 1929.

  

Entre temps s'était tenu une rétrospective Caillebotte au Salon d'automne de 1921. Après la guerre, en 1947, s'ouvre le musée de l'Impressionnisme au Jeu de Paume. La collection sera transférée au musée d'Orsay à son ouverture en 1986.

 

 

  

  

En 1874, il aide à l'organisation de la première exposition Impressionniste, mais ce n'est qu'en 1876 qu'il exposera avec eux, après que son tableau

"Les raboteurs de parquet" ait été refusé au Salon Officiel l'année précédente.

  

 

  

  

Dans cette oeuvre, la manière de Caillebotte est déjà toute entière présente. Il s’attachera toujours à rendre ces évènements quotidiens, en privilégiant un dessin clair, un cadrage efficace.

  

  

Gustave Caillebotte, les Raboteurs de parquet

Les Raboteurs de parquet (1875), peinture de Gustave Caillebotte.

(Musée d'Orsay, Paris.)

 

Témoin du bouleversement architectural de Paris, Caillebotte peint ce pont qui enjambe les voies de chemin de fer. Vision industrielle d'une capitale en pleine mutation. Avec cette oeuvre qui célèbre le renouveau de Paris, Gustave Caillebotte s'intéresse à une ville remodelée par les grands travaux entrepris sous le règne de Napoléon III.

  

Après 1882, son style évoluera dans une recherche plus proche de celle de l'Impressionnisme avec un travail plus tourné vers les variations de lumière, notamment dans les paysages.

 

 A noter que Zola disait de son oeuvre :

"Caillebotte a exposé Les Raboteurs de parquet et Un jeune homme à sa fenêtre, d'un relief étonnant.

  

  

Seulement c'est une peinture tout à fait anti-artistique, une peinture claire comme le verre, bourgeoise, à force d'exactitude.

 

  

Gustave Caillebotte, Jeune homme à sa fenêtre

Jeune homme à sa fenêtre (1875). Peinture à l'huile de Gustave Caillebotte. (Collection particulière.)

 

 

Gustave Caillebotte

  

La photographie de la réalité, lorsqu'elle n'est pas rehaussée par l'empreinte originale du talent artistique, est une chose pitoyable".

 

 

  

Ce qui prouve bien que l'on peut être un grand écrivain, ami de nombreux peintres, et ne pas comprendre grand chose à la peinture. Caillebotte et Cézanne peuvent en témoigner...

  

  

Caillebotte meurt à Gennevilliers en 1894 en léguant à l'état une très importante collection des œuvres de ses amis. Un scandale éclatera en 1897 lors de l'exposition de ces toiles... De nos jours, les Impressionnistes sont pourtant devenus les peintres préférés du public.

 

 

Oeuvres de Caillebotte

 

 

 

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Gustave Caillebotte 

 

 

 

 

Gustave et ses trois enfants à la plage

 

 

 

 

 

 

Gustave CAILLEBOTTE «Les Soleils, jardin du Petit-Gennevilliers»  

 

 

Eugène Delacroix

  

 

Auguste Renoir

Georges Seurat

Degas

 

Gustave Moreau

 

 

Paul Gauguin

 

 

Vincent van Gogh

( Source )

  

  

  

  

 

 

 

 

 

Antonio de La Gandara

 

 

Quelques tableaux de la Belle Epoque…

 

 

« Boulevard Montmartre », Camille PISSARRO (1897)

  

Ce tableau impressionniste est une peinture à l’huile de Camille PISSARRO réalisée en 1897. Il a été peint sur une toile de 65×54 cm. Il représente le célèbre boulevard Montmartre, une place importante de Paris, où nous voyons qu’il y a énormément de voitures et de monde. Les couleurs rappellent l’automne, le sol et les bâtiments sont beige/marron clair, il y a du noir pour les voitures et du blanc pour le ciel. Ce tableau rappelle l’automne, et représente bien la Belle Epoque et la prospérité de la ville.

 

 

«Montmartre », Vincent VAN GOGH

  

Ce tableau a été peint par Vincent Van Gogh au XIX^e siècle, il fait partie du style expressionniste. Les couleurs me rappellent l’automne, les couleurs sont assez basées sur le jaune, le marron et l’ocre. Sur le tableau il y a de la profondeur grâce aux différents plans, au premier plan il y a des lampadaires et au dernier plan les quatre personnages du tableau.

Les branchages sur le côté donnent un effet de mouvement causé par le vent. La scène se déroule sûrement au petit matin comme le montre la brume en arrière plan. Lorsque l’on regarde ce tableau, on voit en premier les lampadaires, on ne voit pas tout de suite les personnages.

 

 

« La colline de Montmartre », Vincent VAN GOGH (1886)

  

Ce tableau impressionniste a été peint par VAN GOGH à la fin du XIX^e siècle. Il représente la butte de Montmartre en 1886, avec notamment ses carrières (qui ne sont pas représentées ici). Les couleurs sont un peu mornes, tristes. Le ciel est d’un bleu gris terne, les collines sont d’un vert sombre et nous voyons au premier plan des sortes de ruines. Tout en bas de la butte, il y a un homme, un paysan sans doute, en train de ratisser l’herbe. Ce tableau suggère un sentiment d’ennui et de monotonie, et évoque la grisaille de certains jours.

 

 

« Le Moulin de la Galette », Vincent VAN GOGH (1886)

  

Sur cette peinture nous pouvons voir le Moulin de la Galette à la Belle Epoque, en 1886. Il était en ces temps-là assez délabré, à ce qu’on peut voir, ou c’est du moins ce qu’a représenté VAN GOGH. Le moulin est situé en arrière-plan, et nous voyons qu’il était a l’époque entouré de végétations.

  

Au premier plan, il y a des sortes de petites cabanes, qui ont l’air en ruines. Il est possible de voir en haut du moulin plusieurs drapeaux français, qui suggèrent la fierté nationale par cet endroit célèbre et très visité.

Le Moulin de la Galette était également un lieu de consommation, où l’on pouvait boire, et un bal populaire s’y déroulait, où l’on venait danser et faire la fête ensemble.

 

 

 

Bal au Moulin de la Galette, Pierre Auguste RENOIR

  

Ce tableau fait partie des œuvres les plus importantes de RENOIR. Peint en 1876, il est présenté à la grande exposition impressionniste qui a eu lieu l’année suivante. Comme son titre l’indique, il représente le Bal du Moulin de la Galette, cité précédemment. Ce chef d’œuvre nous fait ressentir l’ambiance joviale et divertissante de cet établissement populaire. Plusieurs réactions négatives ont fusé au sujet d’une impression de dissolution des formes, cependant les touches vibrantes et colorées accentuent le mouvement de foule.

 

 

 

« Danse au Moulin Rouge », Henri de TOULOUSE-LAUTREC

  

  

Cette peinture représente un lieu mythique de l’époque : le Moulin Rouge. Ce célèbre cabaret était très visité pendant la Belle Epoque et est aujourd’hui encore une figure emblématique de cette période. TOULOUSE-LAUTREC en était un fidèle client, et c’est sans doute pourquoi il l’a représenté sur toile. Nous voyons ici plusieurs clients –femmes et hommes- en train de danser, ce qui suggère une impression de convivialité et un sentiment d’allégresse.

  

Les hommes portaient des chapeaux et des costumes, et les femmes des robes, mais nous pouvons voir que tous portaient des vêtements plutôt chics, ce qui montre que la clientèle de cet endroit était plutôt de catégorie aisée. Par exemple, nous voyons au premier plan une femme avec une robe rose et un chapeau a fleurs, typique des femmes aisées de l’époque. De plus, nous voyons à gauche un homme dont le visage est coupé : cette technique rappelle celle de la photographie, qui apparaîtra en France quelques années plus tard.

  

  

Superbe lien

http://montmartredelabelleepoque.wordpress.com/quelques-tableaux-de-la-belle-epoque/  

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Philip Hermogenes Calderon (3 May 1833 – 30 April 1898)

was an English painter of French birth (mother) and Spanish (father) ancestry who initially worked in the Pre-Raphaelite style before moving towards historical genre.

  

He was Keeper of the Royal Academy in London.

 

 

 

 

Philip Hermogenes Calderon

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Maximilien Colin - circa 1890-1892  

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Edward Poynter - Pea Blossoms

 

 

  

Abbey Altson - Portrait of a Young Lady 

 

 

Abbey Alston was a British classical painter. Born in Yorkshire, Abbey (Abraham) Alston moved to Melbourne, Australia to study in the early 1880s. After several years there and having won a Gold Medal for painting, he returned to England, stopping in Paris on the way to further his studies.

  

He settled in London becoming a successful painter of portraits and genre pictures. He is best remembered today for his exercises in late classical painting, taking his lead from Lord Leighton, Alma Tadema, Waterhouse and Godward. Towards the end of his life he settled in America, where he died.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

  

Laurits Andersen Ring

  

Laurits Andersen, dit L.A.Ring, (né le 15 août 1854 à Ring, Seeland — mort le 10 septembre 1933, à Sankt Jørgensbjerg Sogn, Seeland) est un peintre symboliste danois. En 1881, prend le nom de sa ville natale et est depuis connu comme L. A. Ring.

 

 

 

Pour un temps, il a vécu à Baldersbrønde près de Hedehusene dans le bâtiment d'une ancienne école, qui sera par la suite la demeure d'un autre peintre, Ludvig Find. Ring a réalisé plusieurs peintures de ces deux villes.

La majorité de ces tableaux décrit la vie rurale et les paysages du sud du Seeland de Præstø à Næstved. Il y a plusieurs exemples de son oeuvre dans pratiquement tous les musées d'art du Danemark en incluant la Collection Hirschsprung à Copenhague.

Il fut étudiant à l'Académie royale des beaux-arts du Danemark de 1875 à 1877 puis de 1884 à 1885.

Il s'est marié le 25 juillet 1896 avec la peintre Sigrid Kähler, qui était la fille du céramiste Herman Kähler.

 

 

 

  

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Laurits Andersen Ring

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

  

  

  

 

 

 

  

  

 

 

  

  

 

 

 

 

  

  

  

  

  

 

 

 

 

 

Le marché la nuit

 

Petrus van Schendel

  

 Petrus van Schendel (1806–1870) was a Dutch Romantic painter, etcher and draughtsman. 

 

Marché de nuit 1843

 

Marché de nuit

  

Lettre d'amour

 

 

1870

 

 

 

 

 

1843

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Jacques Emile Blanche
Portrait of a Baronne in Louis XVI Costume
-1893

 

 

 

 

 

 

 

 

Ignacio Zuloaga Y Zabaleta

"La Señora de Atucha (Portrait of Señora Atucha)."

 

 

Ignacio Zuloaga y Zabaleta, né le 20 juin 1870 à Eibar dans le Guipuscoa (Pays basque espagnol), et mort le 31 octobre 1945 à Madrid, fut l'un des plus importants peintres espagnols de la fin du XIX^e siècle et du début du XX^e siècle.

  

  

En 1910, La Niña de los Peines a été son modèle. Mais son modèle favori était Agustina, la mère du matador Ignacio Rafael García Escudero « Albaicín ».

 

 

 

 

 

Zuloaga fut spécialement lié avec Ségovie, la ville d'abord, où pendant quinze ans et jusqu'à 1913, il conserva un studio où il passait l'automne, absorbé dans un travail intense dont il emportait tout de suite à Paris la production, mais aussi avec la province, et spécialement le village médiéval de Pedraza, où il devait vivre et travailler dans son château, celui de Los Velasco qu'il acheta en 1925.

Il était un grand aficionado des courses de taureaux, sujet qu'il représenta dans ses tableaux, réussissant même une fois à entrer dans l'arène

 

 

Ignacio Zuloaga y Zabaleta (España 1870 – 1945).


Nació en Eibar en el año 1870, empezó como copista en el Museo del Prado pero se trasladó a París en el año 1885, donde conoció a Degas, Gauguin, Toulousse-Lautrec y Chavannes, aprendiendo la técnica del impresionismo, aunque mas tarde rehusó de ella buscando un lenguaje propio en el que predominase las pastosidad y las curvas decorativas procedentes del modernismo.

La pintura de Zuloaga fue de las más discutidas por la crudeza de su dramatismo. La expresión de un realismo empecinado en presentar la crónica de la época particularmente de una Castilla en cierto modo deformada por la literatura del 98.

Zuloaga estuvo vinculado especialmente con Segovia, tanto con la ciudad, donde por un periodo de quince años y hasta 1913 mantuvo un estudio donde pasaba el otoño enfrascado en un intenso trabajo cuyo resultado se llevaba luego a París, como con la provincia, y en especial con la villa de Pedraza, en la que viviría y trabajaría en su castillo, el de los Velasco, que compró en el año 1925.

Fue un gran aficionado a los toros, tema que representó en sus cuadros, llegando a salir al ruedo en alguna ocasión. Sus obras tratan temas taurinos y andaluces, captando escenas de costumbres que retratan la España del 98.

Falleció en Madrid el 31 de Octubre de 1945.

 

 

 

SU OBRA





Autorretrato de Ignacio Zuloaga y Zabaleta




Retrato de Valle-Inclán por Ignacio Zuloaga. En los libros, como en toda obra de arte, está siempre definido el carácter del autor, y no en lo que es, que muchas veces suele ser una contradicción viviente, sino en lo que hubiera querido ser. En la obra de arte está la personalidad malograda por la educación, por el ambiente y por el destino adverso.

(Ramón del Valle-Inclán, carta a Ignacio Zuloaga, 22 de noviembre de 1917).




Alice Lolita Muth Maacha




Angustias




Antonia la gallega. 1912




Don Plácido Zuloaga en su taller. También conocida por Retrato de mi padre. Mi padre en su taller. Mi padre. 1895




Doña Rosita Gutiérrez




El violonista Larrapidi.También conocida por El violinista Larrapide, o Retrato del violinista Larradidi. 1910




En Saint Cloud




José Rodao




Lucienne Breval en Carmen. 1908




Retrato de Doña Carmen Arconada. 1940




Retrato de la señorita Lolita Soriano, Lolita Soriano, Retrato de la Srta. Lola Soriano, Lolita Soriano de negro y Lola. 1915




Retrato de la señorita Malinovka -la rusa-. Retrato de madame Malinovka. Retrato de la señora Malinowska y Una rusa. 1912




Retrato de la Condesa Mathieu de Noailles. 1913




Retrato de Maurice Barrès




Retrato de Rusiñol




Retrato del Marqués de Villamarciel. 1893




Pablo Uranga




El pintor Pablo Uranga. 1931




Retrato del pintor Balenciaga




Retratro de Lucienne Bréval




Segoviano. 1906




La Fuente de Éibar. 1888




Mi padre y mi hermana en París. 1891




Mi prima Cándida. 1914




Mi tío y mis primas. 1898