Jacques Louis David

1748-1825

Biographie

 

De part sa formation et son parcours artistique, David est avant tout un peintre d'histoire, considéré depuis le XVIIe siècle selon la classification de Félibien comme le grand genre.    Jusqu'à son exil, les œuvres dont il accorde le plus d' importance sont des peintures d'histoire inspirées par les sujets tirées de la mythologie (Andromaque, Mars désarmé par Vénus) ou l'histoire de l'antiquité romaine et grecque (Brutus, Les sabines, Léonidas).     Il essaye d'adapter son inspiration antique aux sujets de son temps en peignant aussi des œuvres à sujet contemporains. Les œuvres les plus caractéristiques sont le Serment du jeu de paume, La mort de Marat et le Le Sacre.     Le deuxième genre pictural qu'il aborde est le portrait. Au début de sa carrière et ce jusqu'à la Révolution, il portraiture ses proches et relations ainsi que des notables de son entourage, ses seuls essais dans le portrait officiel concernent ses portraits de Napoléon équestre, et en costume du sacre, du portrait du pape Pie VII, et de quelques membres du régime, comme Esteve et Français de Nantes. Son style dans ce genre préfigure les portraits de Ingres. On lui connaît trois autoportraits.       Il ne peint pas de nature morte, et on ne lui attribue qu' un seul paysage peint qu'il aurait fait de la fenêtre du palais du Luxembourg en 1794 quand il fut emprisonné, il a aussi dessiné plusieurs paysages des campagnes romaines lors de son séjour en Italie.

 

David Jacques Louis (1748-1825), Peintre français qui introduisit en France le style néoclassique et en fut le meilleur promoteur, de la Révolution jusqu'à la chute de Napoléon Ier.   David, Jacques Louis Jacques Louis David naquit à Paris dans une famille de la bourgeoisie aisée. Il étudia à l'Académie royale sous la direction du peintre rococo Joseph Marie Vien et remporta le prix de Rome en 1774, après quatre tentatives.       Il partit alors pour la Ville éternelle, comme pensionnaire à la villa Médicis, où il resta cinq ans. Au cours de ce séjour, il fut très influencé par l'art classique et l'œuvre du peintre du XVIIe siècle Nicolas Poussin.   De retour à Paris en 1780, il parvint rapidement à son propre style néoclassique, tirant les sujets de ses tableaux de l'Antiquité et s'inspirant, pour les formes et la gestuelle, de la sculpture romaine. Sa première commande, le Serment des Horaces (1784, Musée du Louvre, Paris) fut soigneusement prémédité pour être le manifeste du nouveau style néoclassique, destiné à développer le sens civique du public.          Porteuse d'un thème très moral, voire patriotique, cette toile devint la référence principale de la peinture historique noble et héroïque des deux décennies suivantes. à partir de 1789, afin de témoigner des épisodes de la Révolution française, ami de Robespierre, il mit son art au service de la nation et adopta un style plus réaliste que néoclassique, comme l'atteste la Mort de Marat (1793, Musées royaux des Beaux-Arts, Bruxelles).       En 1794, emprisonné à deux reprises au palais du Luxembourg, il continua néanmoins à peindre et conçut les Sabines (Musée du Louvre), qu'il acheva en 1799.   De 1799 à 1815, il fut le peintre officiel de Napoléon Ier dont il retraça le règne dans de très grandes toiles, comme le Sacre de Napoléon Ier le 2 décembre 1804 (1806-1807, Musée du Louvre). Suivant la disgrâce de l'Empereur, il s'exila à Bruxelles - l'Italie avait refusé de l'accueillir -, où il séjourna jusqu'à sa mort.       Il y ouvrit un atelier, revint aux sujets de la mythologie grecque et romaine, peints cependant dans un style plus théâtral. Tout au long de sa carrière, il fut également un portraitiste fécond. Plus intimistes que ses grandes toiles, ses portraits, comme Madame Récamier (1800, Musée du Louvre), montrent sa grande maîtrise technique et sa psychologie des personnages.          De nombreux critiques modernes considèrent que les portraits de David, dénués de discours moral et soumis à une technique plus simple, sont sa plus grande réussite. La carrière de David symbolise en quelque sorte le passage du style rococo du XVIIIe siècle au réalisme du XIXe siècle.       Son style au souffle puissant et sa grande maîtrise du dessin influencèrent fortement ses élèves Antoine Gros et Jean Auguste Dominique Ingres (l'un des derniers représentants du néoclassicisme) ; ses thèmes patriotiques et héroïques préparèrent la voie au romantisme.

Jacques Louis David

 

1748-1825

 

Jacques-Louis David était le peintre officiel de la Révolution et un membre de la Convention au plus fort de la Terreur. Il a toujours mis son art aux services de ses idéaux à travers les fêtes révolutionnaires, ou la propagande. Homme dangereux car manipulateur de l'art au service d'une cause, ce livre décrit les liens du peintre avec le domaine politique, la modernité de son action face à l'Histoire.

 

Peintre et conventionnel Dès août 1790, Charlotte David, en désaccord avec les opinions de son mari, engage leur séparation et se retire un temps dans un couvent. Le 17 juillet 1791 David fait partie des signataires de la pétition demandant la déchéance de Louis XVI réunis au Champ de Mars juste avant la fusillade, il fait à cette occasion la connaissance de Roland[60]. En septembre de la même année il tente sans succès de se faire élire comme député à l'Assemblée législative[61]. Son activité artistique se fait moins présente : s' il trouve le temps de faire son deuxième autoportrait dit Autoportrait aux trois collets (1791 Florence Galerie des Offices), il laisse inachevés plusieurs portraits dont ceux de Mme Pastoret et Mme Trudaine. En 1792 ses positions politiques se radicalisent : le 15 avril il organise sa première fête révolutionnaire en l'honneur des gardes suisses de Chateauvieux qui s'étaient mutinés dans la garnison de Nancy. Son soutien à cette cause provoque la rupture définitive avec ses anciennes relations libérales, notamment André Chénier et Mme de Genlis. Le 17 septembre 1792 il est élu 20e député de Paris à la Convention nationale avec 450 voix aux élections du second degré[62], et le soutien de Jean-Paul Marat qui le classe parmi les «excellents patriotes»[63]. Il siège avec le parti de la Montagne. Peu après le 13 octobre il est nommé au Comité d'instruction publique et à ce titre, est chargé de l'organisation des fêtes civiques et révolutionnaires, ainsi que de la propagande. Au Comité, de 1792 à 1794, il s'occupe de l'administration des arts, qui s'ajoute à son combat contre l'Académie. Également membre de la Commission des monuments, il propose l'établissement d'un inventaire de tous les trésors nationaux et joue un rôle actif dans la réorganisation du Muséum des Arts, offrant un poste à Jean-Honoré Fragonard. Il conçoit au début de l'année 1794 un programme d'embellissement de Paris et fait installer les chevaux de Marly de Guillaume Coustou à l'entrée des Champs Élysées[64]. Du 16 au 19 janvier 1793 (27 au 30 nivôse an I) il vote pour la mort du roi Louis XVI, ce qui provoque la procédure de divorce intentée par son épouse. Le 20 janvier le conventionnel Louis-Michel Lepeletier de Saint-Fargeau est assassiné pour avoir lui aussi voté la mort du roi. David est chargé par Barère de la cérémonie funéraire et fait exposer le corps place des Piques[65]. Il représente ensuite le député sur son lit de mort dans un tableau exposé à la Convention, puis récupéré par le peintre en 1795, probablement détruit en 1826 par la fille du conventionnel assassiné[66]. Il reste connu par un dessin de son élève Anatole Desvoge, et une gravure de Tardieu. Pierre-Antoine Demachy Fête de l’Etre suprême au Champ de Mars (20 prairial an II - 8 juin 1794). Musée CarnavaletÀ l'annonce de l'assassinat de Marat le 13 juillet 1793, la Convention, par la voix de l'orateur François Élie Guirault porte-parole de la Section du Contrat-Social, commande à David de faire pour Marat ce qu'il avait fait pour Lepeletier. Proche relation du conventionnel, David avait fait partie des derniers députés à l'avoir vu vivant la veille de l'assassinat[67]. Il peint, avec Marat assassiné (1793), un de ses tableaux les plus célèbres et emblématiques de sa période révolutionnaire, exposant le crime dans sa crudité. Il s'occupe aussi des funérailles en organisant le 16 juillet une cérémonie quasi-religieuse dans l'église des Cordeliers précédée par un cortège funèbre[68]. En octobre 1793, David annonce l'achèvement de sa toile. De novembre 1793, jusqu'à février 1795, les tableaux de Lepelletier et Marat vont sieger dans la salle des séances de la Convention. Avec La Mort du jeune Barra David fait son troisième et dernier tableau sur le thème du martyr révolutionnaire, en prenant cette fois comme exemple le cas d'un jeune tambour de treize ans Joseph Barra, tué lors de la guerre de Vendée pour avoir, selon la légende, refusé de crier « vive le roi ». Il était aussi chargé d'une célébration révolutionnaire pour sa panthéonisation, mais les évènements du 9 thermidor date de la chute de Robespierre font abandonner le projet[69]. David avait aussi envisagé de célébrer un autre héros, le général marquis de Dampierre, dont il a fait quelques croquis préparatoires à une toile qui ne sera pas réalisé, le projet fut peut être interrompu à l'annonce de l'assassinat de Marat[70]. A partir de la seconde moitié de l'année 1793 David occupe plusieurs postes à responsabilité politique, en juin il est nommé président du club des jacobins, le mois suivant il est secrétaire de la Convention. Il prend une part active dans la politique de la Terreur en devenant le 14 septembre 1793 membre du Comité de sûreté générale et préside la section des interrogatoires[71]. À ce titre il contresigne environ trois-cent mandats d'arrestation, et une cinquantaine d'arrêtés traduisant les suspects devant le tribunal révolutionnaire. Il intervient entre autres dans l'arrestation de Fabre d'Églantine, ainsi que dans celle du général Alexandre de Beauharnais, et dans le cadre du procès de Marie antoinette, il participe comme témoin à l'interrogatoire du Dauphin. Il n'interviendra pas pour empêcher l'execution d'anciens amis et commanditaire comme les frères Trudaines, Lavoisier, la duchesse de Noaille pour qui il avait peint un christ en croix ou André Chenier, et Carle Vernet lui imputera la responsabilité de l'exécution de sa sœur Madame Chalgrin. Cependant il protégea Dominique Vivant Denon en lui procurant un poste de graveur[72] et aida son élève Antoine Jean Gros dont les opinions royalistes pouvaient en faire un suspect, en lui donnant les moyens de s'expatrier en Italie. En 1794 David est nommé président de la Convention, fonction qu'il occupe du 5 au 21 janvier (16 nivôse au 2 pluviôse an II). Il organise la cérémonie de la Fête de l'Être suprême. Pendant le Directoire Les SabinesAprès la chute de Robespierre, le 9 thermidor (27 juillet 1794), David est compris dans la proscription. Mais absent de la convention ce jour-là, ayant été prévenu par un ami, il échappe de justesse à l'échafaud. Dénoncé par Lecointre comme robespierriste il est mis en accusation et emprisonné à l'ancien Hôtel des Fermes générales, puis au Luxembourg. Ses étudiants se mobilisent et obtiennent sa libération le 8 nivôse an III (28 décembre 1794). Il est à nouveau emprisonné en 1795 avant d'être amnistié. Durant son emprisonnement, David ne reste pas inactif, il peint l' Autoportrait du Louvre et conçoit Les Sabines. Ce tableau est une œuvre capitale de David, de style néo-classique, dans lequel il symbolise les rivalités fratricides des factions révolutionnaires et les vertus de la concorde. Les Sabines attira les critiques des Barbus, un groupe constitué de certains de ses élèves par Pierre-Maurice Quays qui prônait un retour au primitivisme. David dut se séparer de ces éléments perturbateurs. C'est à cette époque qu'il reprend contact avec son ex-épouse Charlotte qui lui pardonne ses actes et qui accepte de l'épouser à nouveau. Époque napoléonienne Le Premier Consul franchissant les Alpes au col du Grand-Saint-Bernard (1800) château de MalmaisonDès les premiers succès de Bonaparte en Italie, il fut séduit car il retrouvait en lui ses héros légendaires . Vers la fin de l'an VI (1797), sa rencontre avec le jeune général Bonaparte achève de le convaincre et il fait son premier portrait qui demeure inachevé. Il réalisa, pour le nouveau maître de la France puis de l'Europe, plusieurs tableaux à des fins de propagande et devint le peintre officiel du Premier Empire. Sa première représentation majeure fut Bonaparte au Grand-Saint-Bernard monté sur un cheval fougueux. David dont c'était la première grande réalisation pour Bonaparte voulut en faire un tableau symbolisant le conquérant dans la ligne d'Hannibal avec le nom de Bonaparte gravé sur une pierre, en bas, à gauche du tableau. Originellement la toile fut commandée par le roi d'Espagne. Il existe quatre autres exemplaires de ce tableau qui furent exécutés par l'atelier de David. Cette œuvre majeure reproduite en France dans tous les manuels d'histoire depuis Jules Ferry est un des rares portraits équestres de Napoléon. Le premier consul Bonaparte voulait nommer David « peintre du gouvernement » mais ce dernier refuse ce titre estimant mériter plus, et en 1804, le nouvel empereur l'investit dans la fonction de « premier peintre », fonction qu'avait occupé Charles Le Brun auprès du Roi Soleil. Ainsi à l'occasion des cérémonies du Couronnement, David reçoit commande de quatre tableaux dont il n'en exécutera que deux, « Le Sacre de Napoléon » et La Distribution des Aigles, à cause de difficultés de paiement. Il réalisa Le Sacre de Napoléon en trois ans et disposa pour ce faire d'une loge à Notre-Dame d'où il put suivre, les épisodes et les détails de la grandiose cérémonie. Il a relaté lui-même comment il opéra : « J'y dessinai l'ensemble d'après nature, et je fis séparément tous les groupes principaux. Je fis des notes pour ce que je n'eus pas le temps de dessiner, ainsi on peut croire, en voyant le tableau, avoir assisté à la cérémonie. Chacun occupe la place qui lui convient, il est revêtu des habillements de sa dignité. On s'empressa de venir se faire peindre dans ce tableau, qui contient plus de deux cents figures… ». Cependant, le tableau n'est pas tout à fait véridique sur au moins deux points : la mère de Napoléon représentée dans la tribune la plus proche de l'autel, selon le vœu de l'empereur, n'assista pas à la cérémonie, et le pape Pie VII, représenté bénissant le mariage, n'a été en réalité que simple spectateur, restant toute la cérémonie assis dans une attitude résignée. Dans le tableau La Distribution des Aigles il dut sur ordre de l'empereur réaliser deux modifications importantes : il vida le ciel de la « Victoire qui jette des lauriers aux officiers brandissant drapeaux et étendards » et après 1809 il fit disparaître de la scène Joséphine répudiée. La première modification rendit sans objet le mouvement de tête des maréchaux regardant désormais le vide à l'emplacement où se trouvait l'allégorie. Vers la fin de l'Empire, les commandes officielles se raréfient et David achève son tableau Léonidas aux Thermopyles un épisode de l'histoire de l'Antiquité grecque qui va devenir à la mode. Ce tableau fut conçu par David vers 1800, époque où la glorification des vertus héroïques du sacrifice pour la nation était un modèle à suivre. Le Roi Léonidas à la tête de trois cents guerriers résolus, tient tête à plusieurs centaines de milliers de soldats perses, donnant aux Grecs le temps de se reprendre. Le tableau fut achevé en mai 1814, alors que Napoléon venait d'abdiquer et de s'exiler sur l'île d'Elbe. Lors des Cent-Jours, Napoléon de passage à Paris prit le temps d'aller voir le tableau. Le peintre conserva sa fidélité à l'Empereur en signant l' « Acte additionnel ». Après la bataille de Waterloo, et le retour du roi Louis XVIII sur le trône, David, pour avoir signé l' « Acte additionnel », est définitivement proscrit du royaume de France et doit partir en exil, après la loi du 12 janvier 1816. Exil à Bruxelles Portrait de David (1817) par François-Joseph NavezDans un premier temps, il sollicite l'asile auprès de l'Italie qui le lui refuse. La Belgique plus libérale le reçoit et il retrouve à Bruxelles d'autres anciens conventionnels : Barrère, Pierre Joseph Cambon, Merlin de Douai, Thibaudeau, Alquier et Sieyès. Il exécute de nombreux portraits pour vivre, mais ses capacités sont encore là, il n'a pas renoncé à la « grande manière » et reprend ses sujets liés à la mythologie grecque et romaine. Refusant les généreuses interventions tendant à obtenir son retour en France, il restera en Belgique jusqu'à sa mort neuf ans plus tard malgré une amnistie. Dans ce pays, il a enfin trouvé la quiétude et, presque octogénaire, il exécute sans commanditaire en 1824, un tableau de plus de trois mètres de haut, « Mars désarmé par Vénus et les Grâces ». Ce fut sa dernière grande œuvre et David mou Peintures tôt (jusqu'au salon de 1783) Peintures entre 1784 et 1792 Peintures entre 1793 et 1799 Peintures entre 1800 et 1814 Peintures après 1814 Graphiques jusqu'en 1792 Graphiques après 1792 Biographie

 

 

 

  

  

Watteau a souvent introduit le personnage de Pierrot dans ses œuvres mais ce tableau est le seul de sa carrière qui figure un personnage grandeur nature.

  

Il est aujourd’hui admis que l’œuvre représente le portrait de l’ancien acteur Belloni et a servi d’enseigne au cabaret qu’il avait ouvert en 1718.

  

Le nom de Pierrot est par ailleurs adopté par les historiens de l’art, plutôt que celui de Gilles, pourtant largement représenté au cours du XVIIIe siècle.

L’air mélancolique de Pierrot est appuyé par la multiplicité des formes arrondies qui confèrent une grande douceur à l’œuvre : le visage lunaire est entouré d’une calotte et d’un large chapeau et le personnage est vêtu de sa traditionnelle collerette. Il porte une veste et un pantalon d’un blanc intense qui irradie les mains, le torse et la tête.

  

Pierrot, dans une attitude statique et quelque peu gauche, les bras le long du corps, occupe le devant de la scène et semble fixer le spectateur intensément, tandis que les acteurs secondaires, d’autres personnages de comédie, et dont seuls les bustes sont visibles, se tiennent en contrebas.

  

Parmi eux on peut reconnaître : le Docteur sur son âne, symbolisant le docte pédant et ridicule, un couple d’amoureux, Isabelle et Léandre et le Capitaine, homme de guerre fanfaron et couard.

  

Coupé du monde qui l’entoure (du monde artificiel et futile de la scène ?), figé et seul, Pierrot, le regard absent, l’air mélancolique ou rêveur, fait naître une émotion indéfinissable. L’inexprimable mystère qui émane du tableau tient au style unique de Watteau, qui sait admirablement mêler réel et imaginaire. Encarta.

 

 

sources http://www.voyagesphotosmanu.com/pierrot.html

  

  

  

 

 

 

 

 

  

 

Jean-Honoré

 

JEAN- HONORE FRAGONARD

(1732 - 1806 )

 

Peintre français dont les scènes de la frivolité et la galanterie sont parmi les réalisations les plus complète de l'esprit rococo. 

 

 

 

Il a voyagé et dessine les paysages d'Hubert Robert et ont répondu avec sensibilité particulière pour les jardins de la Villa d'Este à Tivoli, de souvenirs qui se produisent dans les peintures tout au long de sa carrière.

 

En 1765, il devient membre de l'Académie avec son image historique dans le Grand MannerCoroesus se sacrifiant pour sauver Callirhoé (Louvre, Paris).

 

Il a rapidement abandonné ce style, cependant, pour les toiles érotiques par lequel il est surtout connu ( Le Swing , Wallace Collection, Londres, c. 1766).

 

 

  

Après son mariage en 1769, il peint aussi des enfants et des scènes de famille. Il s'arrêta exposant au Salon en 1767 et presque tous ses travaux ont été effectués pour des mécènes privés. Parmi eux, Mme du Barry, la plus belle maîtresse de Louis XV, pour qui il peint des œuvres qui sont souvent considérés comme ses chefs-d'œuvre - les quatre toiles représentantles progrès de l'Amour (Frick Collection, New York, 1771-1773)

  

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Ceux-ci, cependant, ont été retournés par Mme du Barry, et il semble que le goût était déjà se retourner contre léger style de Fragonard. Il a essayé en vain de s'adapter à la nouvelle vogue néoclassique, mais en dépit de l'admiration et le soutien de David, il a été ruiné par la Révolution et mourut dans la pauvreté.

 

Fragonard était un peintre prolifique, mais il a rarement ses œuvres en date et il n'est pas facile de tracer son style se développer.

 

 

  

  

A côté de ceux de Boucher, ses tableaux semblent résumer une époque.

  

Sa couleur délicate, pleine d'esprit de caractérisation, et coup de pinceau spontané en sorte que même ses sujets les plus érotiques sont jamais vulgaire, et son plus bel ouvrage a une verve irrésistible et de joie.

 

 

 

Jean-Honoré Fragonard : Le Verrou, entre désir et peinture

 

Un jeune homme enlaçant une jeune femme, un verrou se fermant, un lit défait, une pomme, et le siècle du libertinage trouve une expression du désir en peinture. Deux parties composent « Le Verrou » : un couple aux désirs ne s’accordant pas sur la droite, en pleine lumière, et la partie gauche abritant dans la pénombre la métaphore du désir charnel : un lit parfaitement en désordre.   La partie gauche composée uniquement de drapés fait penser à nombre de spécialistes de Fragonard que le peintre a voulu représenter, entre les oreillers et le baldaquin, le corps désirant d’une femme. Le travail des couleurs, des tissus, des détails de composition amènent souvent à y voir une métaphore de l’acte sexuel mais qu’en est-il réellement ?       Fragonard : Reconnu pour son habileté, pour un goût des couleurs poussé à la perfection, pour une virtuosité réelle au pinceau, Fragonard montre ici l’absolu du renouvellement de la peinture au XVIIIe siècle. Résidant à l’Académie de France, il compose « Le Verrou » en 1777 mais cette œuvre ne fut rendue célèbre que par les gravures le reprenant en 1784. Commandé par le Marquis de Véri, « Le Verrou » laisse toujours courir nombre de spéculations quant à sa signification réelle.   Désir et désordre Fragonard était un peintre au libertinage ardent. Nombre de ses toiles montrent l’expression du désir. Les ardeurs amoureuses de l’amant du « Verrou » sont ici parfaitement claires. Les symboliques érotiques se montrent au spectateur : une chaise renversée, jambes en l’air, une pomme symbolique du péché, un verrou en référence au sexe masculin, un baldaquin montrant le sexe féminin tant par ses formes que par ses couleurs, la force de l’amour et du désir explose. La volonté de refaire l’amour du jeune homme étant claire alors qu’il ferme à nouveau le verrou. On y voit tout autant l’expression de l’amour profane, libertin, que l’expression religieuse du désir par la pomme perdue à gauche de la toile. Fragonard a-t-il simplement voulu représenter une scène de genre dans l’esprit libertin, grivois du siècle de Louis XVI ? C’est probable.      Fragonard proche de Rembrandt En rupture avec ses précédents tableaux, plus clairs, moins maniéristes, Fragonard travaille ici drapés et lumière à la manière de Rembrandt. Epurée, la composition pose sur son « Verrou » une lumière proche de celle des maîtres hollandais. La palette est très restreinte : entre ocre, rouge, blanc, les formes sont lascives et les clairs-obscurs particulièrement évocateurs.     La poésie de cette œuvre majeure de Fragonard tire son originalité du fait qu’elle ne dit rien. Elle suggère tout. Elle laisse au spectateur le soin d’apprécier l’acte amoureux et son renouvellement potentiel.           Un sens caché ? Les deux amants ont-ils déjà fait l’amour ?    Vont-ils passer à l’acte ? Recommencer ?    La demoiselle est-elle réellement consentante ?    Le libertinage parfois outré du siècle des Lumières atteint-il ici un sommet dans son expression ? Ces questions sont posées, souvent, mais restent tout aussi souvent sans réponses absolues. Nombre de détails peuvent parfois perdre en conjectures.     Toujours est-il que « Le Verrou » s’impose comme l’un des témoignages majeurs de l’évolution de l’esthétique du XVIIIe siècle où les fêtes galantes, par exemple d’un Watteau, commençaient à devenir toujours plus prisées.

 

 

 

 

Le Pacha
lavage sépia; Louvre

 

Les Baigneuses
1765; Louvre

 

Inspiration
1769; toile; Louvre

 

 

 

Photographies deMark Harden et Carol Gerten-Jackson .

 

Fragonard : le bonheur de peindre

 

À son talent de communicateur d’images, Fragonard associe une soif de connaissance de l’art de peindre inextinguible, sans doute une des raisons de la diversité de manière ou de style de ses toiles.  Né à Grasse dans les Alpes Maritimes en 1732, mort à Paris en 1806, Jean Honoré Fragonard, se forma au contact de quelques peintres parmi les plus renommés de son époque : Chardin, Van Loo et surtout Boucher, dans le sillage duquel il débuta avec des tableaux de sujet galant et d’une joyeuse légèreté chromatique.

  

En Italie de 1756 à 1761, il étudia à Rome les grands décorateurs baroques comme Pierre de Cortone, tout en se consacrant très attentivement, en compagnie d’Hubert Robert, aux aspects les plus charmants du paysage italien, qu’il fixa dans des esquisses d’une grande importance pour le développement des éléments du paysage dans ses œuvres suivantes. À la recherche de nouvelles expériences, il voyagea dans les Pays-Bas, contribuant au goût pour la peinture hollandaise avec une série de scènes pastorales qui s’inspirent de Van Ruysdael, mais il s’intéressa surtout à Rembrandt et à Franz Hals, exploitant chez l’un les audacieux effets de lumière, chez l’autre la fluidité du coup de pinceau qui modifia son style à partir des années 1770.

 

 

 

La lectrice, vers 1776, Jean Honoré Fragonard, (Washington, National Gallery). Précieux et émouvant moment d’intimisme, cette toile est l’une des plus célèbres de la seconde moitié du XVIIIe siècle. La fraîcheur de la touche de Fragonard (fruit de sa connaissance de la peinture vénitienne) semble annoncer Renoir.

 

Artiste d’une vaste culture figurative, mais non éclectique, ayant une confiance illimitée dans les moyens de la peinture, Fragonard développa une technique de virtuose qui devint aussi sa vraie limite. À la même époque que Boucher, Jean Honoré Fragonard reprend certains éléments du XVIe siècle. Comme Tiepolo, il renoue avec l’ancienne tradition vénitienne, dont il conserve les couleurs brillantes et le pinceau nerveux. Par la seule force de l’évocation, de la suggestion, il crée des atmosphères à l’éros délicat et insinuant.

 

 

 

Diane et Endymion, 1753-1756, Jean Honoré Fragonard, (Washington, National Gallery). À l’époque de Fragonard, le sujet Diane et Endymion était très populaire. La beauté du jeune homme qui tomba dans un sommeil éternel a enflammé l’imagination des poètes et des artistes comme un symbole de l’intemporalité de la beauté qui est « une joie pour toujours ».

 

 

 

  

 

Les jardins de la villa d’Este, dit « Le Petit Parc », 1760-1763, Jean Honoré Fragonard, (Londres, Wallace Collection). En 1760, à Rome, le peintre rencontre l’abbé de Saint Non qui l’emmène avec lui en voyage. I

  

  

ls séjournent à Tivoli, à la villa d’Este. Dans ces jardins en cascade où la végétation laissée à l’abandon a créé un désordre monumental favorable au secret et aux jeux subtils de la lumière, fait la preuve des qualités de Fragonard comme architecte de la nature. Ici, les masses imposantes des arbres, la symétrie des ombres et le jeu accentué des lumières annoncent chez le peintre une sensibilité nouvelle.

  

 

 

  

Après avoir cherché une dernière fois à faire reconnaître son talent aux institutions publiques en exposant au Salon de 1767 à Paris, Fragonard disparut quasiment de la vie artistique officielle tant que dura la monarchie : il travailla presque exclusivement pour des commanditaires privés, dont beaucoup étaient ses amis.

  

  

  

Il eut ainsi la liberté de célébrer d’une manière plus personnelle le sentiment de la nature, les désirs et les pulsions érotiques. Fragonard attache au maniement de la brosse la plus grande importance ; son coup de pinceau est souvent large et nerveux, comme s’il voulait fixer rapidement, à l’improviste, le court instant d’un bonheur. Son art annonce l’impressionnisme du XIXe siècle. Renoir notamment a beaucoup aimé Fragonard, dont il se sentait très proche.

 

 

 

Les baigneuses, 1761-1765, Jean Honoré Fragonard, (Paris, musée du Louvre). On dit Fragonard impécunieux à son retour d’Italie et obligé à peindre pour des amateurs d’une peinture érotique. La nudité des figures évoque celles de Boucher, son maître, ainsi que les corps plantureux de Rubens. Mais dans cette scène d’une sensualité apparemment gratuite, on découvre la richesse et la gaieté du vocabulaire formel de Fragonard qui exprime dans le dynamisme de la touche.

 

 

 

La Lettre d’amour, vers 1770, Jean Honoré Fragonard, (New York, Metropolitan Museum of Art). Cette peinture illustre bien l’extraordinaire maîtrise de la technique et des effets de lumière. Vêtue d’une élégante robe bleue à la mode et d’un joli bonnet tuyauté qui cache en partie une coiffure très élaborée, la jeune femme est assise devant son écritoire à côté de son petit chien, tous les deux regardant le spectateur. L’inscription sur la lettre a donné lieu à différentes interprétations. Il pourrait s’agir du nom Cuvillere, fille de François Boucher, qui avait épousé en 1773, un ami se son père, l’architecte Charles Etienne Gabriel Cuvillier.

 

 

 

 

La leçon de musique, 1769 ?, Jean Honoré Fragonard, (Paris, musée du Louvre). Peut-être il s’agit d’une toile précoce et inachevée de l’artiste ou une esquisse réalisée dans les dernières années de son activité. Le thème du professeur de musique courtisant son élève fut déjà traité par les maîtres hollandais, comme Vermeer. Ici, l’atmosphère baigne dans une atmosphère de rêves d’amour.

 

À partir de 1770, Fragonard se consacra à des scènes pleines d’entrain ou piquantes d’une singulière modernité, destinée à des bourgeois ou à des nobles de fraîche date, et dans lesquelles la composante érotique s’accorde à une sensualité picturale obtenue grâce à un choix chromatique de tonalités vives ou avec des touches roses ou nacrées. Après 1770, comme les autres artistes français, Fragonard va lui aussi abandonner progressivement les sujets sensuels pour s’orienter vers une découverte des sentiments plus délicate et plus romantique.

 

 

 

La Jeune fille faisant jouer son chien dans son lit, vers 1765-1772, Jean Honoré Fragonard,

(Paris, Fondation Cailleux)

 

 

 

Le verrou, détail, vers 1777, Jean Honoré Fragonard, (Paris, Musée du Louvre). À première vue, cette peinture semble appartenir à la même veine de légèreté des thèmes érotiques dont Fragonard a été friand durant toute sa carrière.

  

Toutefois, l’intensité des effets de clair-obscur et la puissance dramatique de la composition en diagonale donnent une certaine gravité à la scène.

 

 

 

Bascules et balançoires

 

Fragonard aime les représentations de jeux où tout peut basculer. Les tableaux « La Bascule » ainsi que son pendant « Le Collin Maillard » doivent beaucoup à Boucher et ont probablement été peints alors que Fragonard était encore dans l’atelier du peintre.

  

Elles constituent des exemples magnifiques du style de Fragonard à ses débuts, encore fortement marqué par Boucher et annoncent déjà ses qualités originales.

  

D’une exubérance et d’un vitalité presque inaccessibles à Boucher, la vitalité de ces êtres délicieux qui continuent à jouer rend encore plus inévitable la culbute dans les éclats de rires et la surexcitation de la découverte.

 

  

  

Dans « La Bascule », le regard de convoitise du jeune garçon et l’ardeur que ces enfants mettent dans leur jeu annoncent les scènes burlesques mais touchantes des séries ultérieures, « La conquête de l’Amour » (New York, Frick Collection) plutôt que « L’Escarpolette », plus artificielle et plus émoustillante (Londres, Wallace Collection) à laquelle « La Bascule » est souvent comparée.

  

  

  

  

Les couleurs semblent déjà plus lumineuses et la lumière plus blonde, plus légère et plus aérée que chez Boucher.

  

À l’origine, ces deux œuvres étaient des grandes compositions murales, auraient été diminuées et transformées en tableaux de chevalet.

  

Lorsque plus tard Fragonard aimera les grandes toiles, les personnages resteront minuscules et c’est le paysage qui prendra de l’importance.

 

    

 

 

 

 

 

 

 

 

  

  

 

 

 

 

 

La REVOLUTION FRANCAISE a sonné le glas

pour toutes les FEMMES ARTISTES PEINTRES

Un détail de l'autoportrait réalisé par Élisabeth Vigée-Lebrun

 

 

 

 

 

Claude Monet

 

Le Déjeuner sur l'herbe

 

La toile définitive appelée Déjeuner sur l'herbe est immense : 27 m2. Les amis de l’atelier Gleyre, Renoir et Sisley, ne souhaitant pas servir de modèles, le grand Bazille parti en province fut sommé d’accourir par Monet afin de poser pour certaines figures. Il arriva en août.

 

  Courbet venu voir le travail avait émis des critiques qui déconcertèrent le peintre. Boudin s’était exclamé en voyant l’oeuvre : « Monet termine son énorme tartine qui lui coûte les yeux de la tête ».

 

Camille est représentée plusieurs fois au côté de la haute silhouette déhanchée de Frédéric Bazille en chapeau melon.Dans la partie centrale du tableau, elle est la femme en robe de toile bleue cachant son visage par un mouvement des bras pour retirer son chapeau. A gauche de la toile, elle pose en robe mexicaine grise à ceinture rouge, jupons et festons assortis.

  

  

  

 

 

 

 

 

 

Biographie d'Antoni Gaudi

Controversé et critiqué de son vivant pour la singularité de son oeuvre, Antoni Gaudi est aujourd'hui reconnu comme l'une des plus importantes figures de l'architecture espagnole.

 

Inspiré à ses débuts par le style néo-gothique de Viollet-le-Duc, il se fait pourtant rapidement remarquer pour la fantaisie et la démesure de ses créations qui lui valent d'être affilié

au mouvement de l'art nouveau.

 

 

Dès lors, il s'illustre dans la construction d'immeubles urbains et résidentiels, et pose les bases de sa démarche artistique, marquée par une conception organique et végétale de l'espace architectonique.

C'est ce dont témoignent le palais Güell, en 1889, mais aussi la crypte de la Colonia Güell (1989 - 1915) ou encore la Sagrada Familia (1884 - 1926), cathédrale inachevée que Gaudi considère comme l'apogée de sa carrière.

 

 

Reconnu également comme l'un des pères du design, il intègre à l'ensemble de ses travaux des éléments de décoration, comme des vitraux, du mobilier, des sculptures, etc ., tout aussi insolites.

The nave in the Sagrada Familia with a hyperboloid vault. Inspiration from nature is taken froma tree, as the pillar and branches symbolise trees rising up to the roof.

 

 

 

Si ses contemporains restent sceptiques face à l'audace de ses projets, il continuera jusqu'à sa mort d'imprimer un caractère de plus en plus fantastique à ses oeuvres, à travers des couleurs toujours plus vives et des formes rondes, pleines, influencées par les éléments naturels.

 

 

Antoni Gaudi est un architecte designer espagnol.

Sa réputation est internationale de par l'originalité de son œuvre mais Gaudi est surtout une figure prestigieuse de l'architecture espagnole.

Il obtient son diplôme à Barcelone en 1878, et c'est là-bas que Gaudi exploitera son activité.

 
En effet, celui-ci a beaucoup marqué l'architecture de Barcelone où l'on retrouve ses œuvres de nombreuses fois dans le paysage de la ville.

Contemporain de Salvador Dali, qui faisait l'éloge de l'architecte son type d'architecture est aussi délirant que les œuvres du peintre.
Le designer travaille beaucoup avec les courbes, les couleurs excentriques, mélanges de différents matériaux (fer forgé, vitraux, sculptures, mosaïques, céramiques...).

Son œuvre est hors du commun notamment grâce à l'absence de symétrie qu'elle dégage.

La méthode de travail de Gaudi est tout aussi originale: il commençait toujours par travailler ses projets en faisant des maquettes en trois dimensions.

CASA MILA

Ces modèles étaient en matériaux très malléables ce qui donnait à l'architecte une liberté quasi-totale.
Il est le principal représentant de l'Art nouveau (l'art moderne).

Son chef-d’œuvre le plus connu mais surtout le plus représentatif de son génie est sans doute la Sagrada Familia

("La Sainte Famille), une basilique catholique située à Barcelone.

 

 

Celle-ci est considérée comme l'exemple le plus connu du modernisme catalan et est devenu un monument emblématique de la ville.

 

Cette construction a été reprise par Gaudi un an après son commencement par un premier architecte, Francesc de Paula Villar i Lozano. Gaudi avait alors un projet plus ambitieux pour elle et y consacra d'ailleurs toute sa vie.

 

 

Malheureusement, il ne verra jamais son œuvre achevée car il mourut en 1926.

 

L'originalité de cette cathédrale, ce sont les 18 tours qui évoquent les 12 apôtres, les 4 évangélistes, la Vierge Marie et le Christ.

 

L'immense flèche qui culmine à 170 mètres de haut symbolise le Christ.

 

Le projet abouti, la Sagrada Familia pourra accueillir pas loin de 13 000 personnes.

 

Mais il est difficile de prévoir l'avenir de la construction parce que les plans laissés par Gaudi sont très complexes.

 

Mais un jour, le vœux de l'architecte se réaliseront et il y aura alors "une Cathédrale ouverte pour tous".

Autres œuvres architecturales de Gaudi:
.Les nombreuses "Casa"

.Le somptueux parc Güell, qui représente tout le génie de Gaudi avec ses bancs en céramiques, ses tours aux caractères des palais des Mille-et-une-nuits..La Sagrada Familia  

 

 

 

 

anselm feuerbach - autoportrait 1873 berlin alt nat gal.jpg

 

 

 

Anselm Feuerbach (12 septembre 1829 à Spire — 4 janvier 1880 à Venise) est,

avec Arnold Böcklin et Hans von Marées, un des peintres de langue allemande les plus importants de la seconde moitié du XIX^e siècle. 

  

FEUERBACH ANSELM (1829-1880)

 

 

• 1852 : Hafis devant une auberge
• 1852 : Autoportrait (ci-contre)
• 1862-1871 : Iphigénie
• 1863 : Pietà
• 1865 : La Joueuse de mandoline
• 1866 : Hafis à la fontaine
• 1870 : Médée
• 1869-1873 : Le Banquet de Platon
• 1873 : Le Combat des Amazones
• 1878 : Le Concert
• 1878 : Autoportrait

  

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

J’ai découvert cet artiste dans cette petite galerie du 10ème arrondissement que j’apprécie énormément.

 

Depuis, les vernissages se suivent... et se ressemblent.

 

S’ il est vrai que Godebski exploite à 100% le filon de son art d’ "Ombre et Lumière"qu’il maitrise effectivement comme un maître, cela peut en lasser certains (quelques amis par exemple).

Personnellement : j’aime beaucoup. Malgré ça. J’aime.

Ce type de peinture réaliste peut ne pas faire l’unanimité. Mais les oeuvres, principalement les grandes, voire gigantesques, sont superbes.

J'aime découvrir l'oeuvre d'un artiste (si cette oeuvre m'attire, bien sûr) parce qu'elle m'oblige à ouvrir toutes les écoutilles de ma sensibilité.

  

  

  

  

En fait, ce n'est pas un exercice évident: j'en sors souvent épuisée. Je dois me transformer en éponge pour ressentir ce qui émane de l'objet, de sa forme, de son histoire, de ses couleurs, etc.

  

Des sensations et des émotions me traversent.

  

Et, pendant ce temps là, je m'oublie.

 

  

Il me faut toujours un temps, ensuite, pour me retrouver et me recomposer.

  

Cependant c'est une expérience fantastique: c'est comme si un nouvel espace s'était ouvert en moi.

 

Femme hamac rouge 195X130 2006

 

  

Une nouvelle pièce a enrichi mes appartements intérieurs, que je peux aller occuper quand l'envie m'en prend

 

 

j'ai découvert les peintures de Yash Godebski, un artiste dont il est possible d'aller voir les oeuvres    jusqu'au 29 mai inclus à l'Espace Beaurepaire et qui a aussi un site, ici. 

   

  

J'ai eu la sensation d'avoir les clés de sa peinture lorsque j'ai remarqué les points de vue autour desquels elles sont construites et qui sont à chaque fois légèrement décalés, un peu trop haut    par rapport au regard d'un homme qui marcherait (ou qui, ci-dessus, serait en voiture), ou bien un peu trop bas, ou placé dans un angle bizarre.

 

  Boulevard feria 92X73 2007

  

C'est comme si le point de vue était celui d'un    personnage flottant, dont les pieds ne toucheraient pas vraiment terre, un fantôme ou bien un ange.

  

Hotel 162X114 2007

 

C'est pourquoi ces paysages dégagent une impression d'irréalité (alors qu'ils sont inspirés de villes réelles). Le dessin très précis, les couleurs crues accroissent cet effet : tout se passe comme si le monde n'était plus qu'impressions visuelles, très aiguisées, qui venaient appuyer contre notre rétine.Un monde où l'on se glisse, se faufile, flotte, vole, s'évanouit ... Encore une chose: la facture des oeuvres et les sujets évoquent, à l'évidence, la BD.Pourtant, à l'inverse d'une BD, ces paysages suspendus se sont vidés de tout scénario.Toute action a glissé hors de ces espaces.Et je n'ai pas envie d'imaginer les histoires qu'ils pourraient suggérer: je me sens bien dans ce silence C'est pourquoi ces paysages dégagent une impression d'irréalité (alors qu'ils sont inspirés de ville Encore une chose: la facture des oeuvres et les sujets évoquent, à l'évidence, la BD. Pourtant, à l'inverse d'une BD, ces paysages suspendus se sont vidés de tout scénario.       Toute action a glissé hors de ces espaces.Et je n'ai pas envie d'imaginer les histoires qu'ils pourraient suggérer: je me sens bien dans ce silence

 

J’avais craqué sur les scènes du sud, entre rappel de farniente en attendant l’apéro et scène d’amitié autour d’une pétanque ; mais surtout, avant tout, une série sur New York, ses feux rouge-orange-vert aux coins des rues numérotées... Et puis ces effets d’ombres et de flou, sous l’eau, au bord de piscines turquoises qui vous font rêver...

 

Bref. Si vous êtes dans les parages, faites y un tour.Ca ouvre l’esprit, ça cultive, ça fait voyager ....

  

Que du bon à faire un saut rue Beaurepaire.

 

Yash GODEBSKI - "La guirlande"   

  

Et puis... : Après, pleins de choses à faire en prime ! Filez manger un truc chez Mem’s (top bon !!!) ou prendre un pot chez Les Voisins (bar à tapas exquis !!!), diner en amoureux chez Madame Shawn (thai à tomber... !) ou encore et pour finir, manger une salade equilibrée entre filles au Grenier Voyageur.

  

Tout ça à moins de 100 mètres de l’expo !

  

Si ça c’est pas du bon plan....Vous m’en direz des nouvelles !   

  

Expo collective mai 2012 Galerie Beaurepaire Bataille et Godebski

C’est la rencontre de 2 peintres … Que tout oppose… L’un vient du nord, L’autre du sud… Un nîmois… Un lillois… L’un est bavard, L’autre ne l’est pas… L’un vit en ville… L’autre la fuit L’un est extraverti L’autre, bien qu’extra…plutôt introverti… La peinture de l’un est plutôt réaliste Celle de l’autre plus fantaisiste…. Si éloignés…mais si proches Tels l’ombre et la lumière Dont Yash ne cesse de s’inspirer Comme pour mieux les sublimer… Quand Charles Peint le monde…plus vache qu’il ne l’est… Avec un humour « vachement » décalé. . A l’image de leur amitié… Leurs pinceaux Leurs couleurs Se sont rapprochés Ils ont décidé De les accrocher… Ensemble Et de vous les présenter. Ensemble… http://charlesbataille.com/ http://www.yashgodebski.com/                   L ombre du Yucca 162X114 2007 Cet autodidacte ayant néanmoins grandi dans un environnement d’artistes peintres, sculpteurs et musiciens, passe son enfance dans le Sud de la France où sa famille, originaire de Pologne, c’est installée dans les années 30, adoptant cette culture d’un sud prècis, celui de Camargue.    Là où taureaux et chevaux partagent le quotidien, où la musique est gitane ou fanfare, où réussir une fête est aussi important que de décrocher un diplôme. Yash a grandit là, dans la lumière du sud, entre Nîmes et Uzès , l’atelier du père, les vignobles du haut-Gard, les plages du delta du Rhône. Depuis toujours il déssine. Il fait des études à l’atelier Met de Penningen (ESAG) à Paris, devient graphiste dans la publicité. Il déssine, peint sans cesse. En 1992, à 25 ans, il décide de ne vivre que de sa peinture, et commence par relever le pari insensé (financée par des souscripteurs privés) de se lancer dans un “marathon-peinture” et peindre 100 toiles en un mois.   Le rythme intense qu’il s’impose l’oblige à oublier les théories et apprentissages pour laisser libre cours à sa spontanéité et exprimer ainsi mieux son expérience propre et sa personnalité.         Les chaises de jardin 73x60 2007     Bouillonnant et créatif, il veut exposer, mais sans agent ni galerie, il imagine la série d’expos “bails à céder” où il investit pour quelque jours des locaux désaffectés (hangars, boutiques en cessation de bail). Il peint de mémoire, sans référant photo, jouant des ombres et des lumières, nous invitant à des perspectives si personnelles qu’on se demande si, le temps de l’inspiration, il ne devient pas oiseau... “J’aime bien tordre le coup à la perspective, donner le vertige en faisant se pencher les têtes, s’étirer les cous, s’écarquiller les yeux. La lumière est mon principal sujet: mon abstraction se situe là, puisque je fais du figuratif.”    le chapeau 2007 Constructions rigoureuses, maîtrise du clair-obscur, plongées, contre-plongée, angles inédits, la vision de Yash emprunte au cinéma ses techniques, sans user de l’hyperréalisme de l’image.     Les traits de ses personnages sont suggérés, parfois absents, pourtant on les reconnaît à leur dégaine, aux attitudes familières que chaque situation entraîne.        Car si le Sud est son inspiration essentielle, elle n’est pas unique, et sa vision des villes nous entraîne dans d’autres lumières, d’autres constructions que ce peintre sensuel nous donne à ressentir. Alors, il suffit de regarder... Sans titres - 2005 - acryliques sur toile - 100x81 / 81x65 HEURES D'OUVERTURE   Tous les jours de 11h à 20h Dimanche de 14h à 20h CONTACT PRESSE Sandrine Lefort 96 avenue des Ternes 75017 Paris Tel: 06 80 15 34 91 / 01 45 72 20 24 E-Mail: lefort.sand@free.fr                       Yash GODEBSKI - XXème - "Le saut du raseteur" - H/T - SBD et ... ... datée 1998 - 100 x 100 cm      Chaise 81X65 2007     BLOG de YASH GODEBSKI http://www.yashgodebski.com/           BLOG  http://www.yashgodebski.com/

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 http://www.valeriemaugeri.com/

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

  

  

  

 Jack Vettriano

  

De 1994 à 2007, Vettriano était représenté par Portland Gallery à Londres, mais la relation a pris fin en juin 2007. Depuis lors, Vettriano a mis l'accent sur une variété de projets privés, y compris le lancement d'un nouveau livre et la peinture d'un portrait de Zara Phillips, dans le cadre d'un projet de collecte de fonds de charité pour Sport Relief, l'expérience qui a été capturé dans un documentaire diffusé sur BBC1 en mars 2008.

 

 

  

 

 

 

La lettre

 

 

 

 

 

  

  

 

 

  

  

  

 

 

 

 

  

  

  

Jack Vettriano

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

  

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Vettriano, de son vrai nom Jack Hogan, est né en Ecosse en 1951.
Il quitte l'école à 16 ans pour travailler dans une mine mais, pour son 25e anniversaire, une amie lui offre une boite de peinture. Dès lors, Vettriano va apprendre la peinture en autodidacte.
Peintre de scènes contemporaines aux couleurs du cinéma américain, de femmes fatales et de plages huppées, Vettriano est souvent boudé par la critique.
Mais ses toiles ou leur reproductions se vendent très bien ! 
 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

On retrouve souvent The singing buttler (le maître d'hôtel chantant) sur des cartes postales ou même des boîtes de gâteaux !
En mai 2004, ce tableau s’est vendu plus de 3 millions d’euros…

 

Faute d'être complètement reconnu par ses pairs, Vettriano n'en est pas moins devenu millionnaire

 

 

 

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Jack VETTRIANO

Peintre contemporain écossais

Vettriano est né en Ecosse en 1951.

Il quitte l'école à 16 ans pour travailler dans une mine mais, pour son 25e anniversaire, une amie lui offre une boite de peinture.

  

Dès lors, Vettriano va apprendre la peinture en autodidacte.
Peintre de scènes contemporaines aux couleurs du cinéma américain, de femmes fatales et de plages huppées, Vettriano est souvent boudé par la critique.
 

  

Mais ses toiles ou leur reproductions se vendent très bien !
On retrouve souvent The singing buttler (le maître d'hôtel chantant) sur des cartes postales ou même des boîtes de gâteaux !
 

En mai 2004, ce tableau s’est vendu plus de 3 millions d’euros…
Faute d'être complètement reconnu par ses pairs, Vettriano n'en est pas moins devenu millionnaire…

 

 

 

 

 

 

 

Oeuvres de VETTRIANO

 

 

 

 

CLIQUER SUR L'IMAGE

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Autoportrait - 1790

En 1789, Vigée-Lebrun fuit la France pour sauver sa tête. Elle s'arrêta d'abord à Florence, où elle fut accueillie comme un chef d'État.

On lui demanda à Florence de peindre son propre portrait pour la célèbre collection d'autoportraits de la Galerie des Offices. Vigée-Lebrun a commencé son autoportrait à Florence, mais l'a terminé à Rome. Nombreux sont ceux qui pense qu'elle a peint là son meilleur visage, lumineux, souriant, juvénile et heureux.

Le sujet de la peinture est Marie-Antoinette.

 

 

  

  

 

 

 

 

Robert Papp

  

  

  

 

 

 

 

Henri de Toulouse-Lautrec Peintre, Lithographe 1864-1901

 

 

 

 

 

  

  

 

voir en grand format

 

 

 

Peintre des scènes de music-hall et de divers lieux de plaisir parisiens, des portraits, etc..

Dessinateur, c’est l’un des pères de l'affiche moderne.

 

Affiches

 

Cabarets	Publicitaires	Aristide Bruant

 

Tableaux

 

Impressionnistes	vie parisienne	les cabarets

 

Dessins, esquisses

 

Dessins	esquisses

 

Des Livres

Livres sur l'artiste en français, en anglais

 

Des Liens internet

 

Henri de Toulouse-Lautrec  site très complet: Biographie, oeuvre, photos

 

 

 accueil art nouveau -  plan du site

 

 

 

 

 

 

 

 

Madame Molée-Reymond oeuvre de Elisabeth-Louise Vigée-Le Brun née le 16 avril 1755 à Paris morte à Paris le

  

30 mars 1842.   

Portrait de Madame Molée-Reymond Comédienne réalisé en 1786